Archiv des Monats: November 2025

Musik aus einem Damenstift

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L´Ercole amante? Da denkt der Barockfreund sofort an den Komponisten Francesco Cavalli. Dessen Vertonung des Librettos von Francesco Buti nach den Metamorphosen des Ovid stammt von 1662. Nun hat cpo eine Oper mit diesem Titel herausgebracht, welche eine Komponistin 1707 schrieb: Antonia Bembo, die um 1640 in Venedig geboren wurde und vor ihrem gewalttätigen Ehemann nach Paris geflohen war, wo sie 1720 starb. In der französischen Hauptstadt genoss sie die Protektion von Ludwig XIV. Er gewährte ihr eine Pension und die Unterkunft in einem christlichen Damenstift. Dort komponierte sie Kantaten und Motetten, schließlich Butis Textvorlage, doch kam es nicht zu einer szenischen Aufführung. Die Uraufführung fand erst 2023 in der Stuttgarter Liederhalle statt und ist dem Dirigenten Jörg Halubek zu verdanken, der die Oper mit dem Ensemble il Gusto Barocco konzertant aufführte. cpo hat diese Produktion dankenswerterweise auf zwei CDs als Weltersteinspielung veröffentlicht (555 728-2).

Die bekannte Handlung kreist um Herkules und seine Liebe zu Iole, die aber seinem Sohn Hyllos versprochen ist, was den Zorn Junos, Göttin der Ehe, erweckt. Herkules´ verlassene Gattin Deianira übergibt ihm ein Gewand des Zentauren Nesso, mit dem sie seine Liebe zurückgewinnen will. Doch er stirbt qualvoll, wird auf den Olymp entrückt und dort mit La Bellezza vermählt. Da auch Iole ihren geliebten Hyllos heiraten kann, gibt es einmal mehr ein barockes lieto fine.

Bembos Musik weist eine gelungene Mischung aus französischen und italienischen Stilelementen auf, ist reich an Melodik und vokaler Bravour. Das Orchester musiziert sie unter der engagierten Leitung von Halubek mit Frische und differenziertem Duktus. Jeder der fünf Akte wird mit einem instrumentalen Entrée eingeleitet – Gelegenheit für die Musiker, mit orchestralen Finessen zu glänzen.

Wie bei Cavalli ist die Titelrolle einem Bariton anvertraut und Yannick Debus füllt sie mit viriler Stimme imponierend aus. Deianira wird von der bulgarischen Sopranistin Alena Dantcheva wahrgenommen. Ihr schmerzlicher Ton spiegelt das harte Schicksal der Gattin eindrücklich wider. Beider Sohn Hyllo ist mit dem französischen Tenor/Haute-Contre David Tricou besetzt. Iole, seine Geliebte, gibt die aus Osttirol stammende Sopranistin Anita Rosati. Beide führen sich zu Beginn des 2. Aktes mit einem innigen Duett ein („Amor ardor più rari“), in welchem sich die Stimmen leuchtend verblenden. Als Giunone ist die belgische Sopranistin Flore Van Meerssche mit klangreicher Stimme zu hören. In einer Doppelrolle als Venere und Grazie Pesithea entzückt Chelsea Marilyn Zurflüh mit zauberhaftem Sopran. Vor allem die sanfte Schlummerarie der Grazie, „Mormorate o fumicelli“, am Ende des 2. Aktes ist ein Genuss. Einziger Countertenor in der Besetzung ist der französische Altus Arnaud Gluck als Paggio mit gebührend buffoneskem Tonfall. Die Ausgabe ist die gelungene Wiederentdeckung eines vergessenen Meisterwerkes (Es ist kein Porträt von Antonia Padoani Bembo bekannt, das erhalten geblieben ist. Verwirrenderweise wird das Selbstporträt der französischen Malerin Élisabeth Sophie Chéron (1648–1711) regelmäßig in Schriften und auf CDs verwendet, die sich mit Antonias Leben und Werk befassen.). Bernd Hoppe

 

Erich Riedes „Riccio“

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Wieder gibt es eine spannende Ausgrabung zu berichten. In Offenbach fand am 9. November 2025 die halb-konzertante Aufführung einer zuletzt 1950 szenisch gespielten Oper mit einer ungewöhnlichen Genesis statt: Erich Riedes Historiendrama Riccio auf den Text der in Sobibor umgekommenen jüdischen Schriftstellerin Martha Wertheimer, für Weimar 1929 geplant, dort nicht aufgeführt und erst 1947 in Coburg premiert. Die Partitur (André Musikverlag) war verschollen, und für Offenbach 2025 wurde von Michael Strecker aus den originalen Orchesterstimmen und dem Klavierauszug eine neue Partitur erstellt, die unter Yuval Zorn am Pult des Capitol Symphonie Orchesters mit sechs Solisten und acht Choristen vor Mixed-Media-Installationen von Tim Seger im Offenbacher Capitol aufgeführt wurde.

Zu Martha Wertheimer und Erich Riede hat Wikipedia zwei informative Artikel, die an dieser Stelle gelesen werden sollten. Nachstehend einige Texte zum Werk und den Beteiligten, vor allem Auszüge aus dem Programmheft zur semi-konzertanten Aufführung in Offenbach. G. H.

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Erich Riede – Deutsche Digitale Bibliothek/Phototek

Die Geschichte des Werkes beginnt in den „Roaring Twenties“. Damals träumen der Komponist Erich Riede (1903–1986) und seine Librettistin Martha Wertheimer (1890–1942) von einem gemeinsamen Bühnenerfolg, der eine ähnliche Flugbahn hätte beschreiben sollen wie die Salome, mit der Richard Strauss seit der Dresdner Premiere vom 9. Dezember 1905 die internationalen Häuser eroberte.

Anfangs sieht es auch ganz so aus, als könnte „Riccio“ sein hohes Ziel erreichen. Weimar, die inoffizielle Hauptstadt der gleichnamigen Republik, will das emotionsgeladene, hochdramatische und blutrünstige Stück 1929 herausbringen, zieht dasselbe aber eine Woche vor dem anberaumten Termin zurück – aus Gründen, über die sich bis dato nur spekulieren lässt. Der Traum von der Met (an der Erich Riede seinerzeit als Assistent für das deutsche Repertoire arbeitet), von der Wiener Staatsoper und von der Mailänder Scala ist jedenfalls ausgeträumt. Es müssen achtzehn Jahre und ein Weltkrieg vergehen, bevor das Landestheater der nordbayerischen Stadt Coburg am 30. Oktober 1947 einen Versuch unternimmt, dem sich am 26. Februar 1950 das Mannheimer Nationaltheater anschließt. Die Unternehmungen bleiben folgenlos. Während Deutschland dabei ist, die Trümmer beiseite zu schaffen und die Fundamente des Wirtschaftswunders zu legen, sind Geschichten wie jene des italienischen Sängers und Lautenisten David Rizzio, der am 9. März 1566 in Edinburgh im Beisein seiner Arbeitgeberin (und Geliebten?) Mary Stuart einem grausigen Mordanschlag zum Opfer fiel, nicht mehr en vogue.

Zu Erich Riedes „Riccio“: Martha Wertheimer/b77b Museum Eintracht/Historische Person

Die Noten verschwanden in den Archiven des traditionsreichen Offenbacher Verlages von Johann André, wo sie dessen Nachfahren Hans-Jörg und Moritz André und der städtische Kulturamtsleiter Ralph Philipp Ziegler jüngst wiederentdeckten. Michael Strecker hat den Klavierauszug und das erhaltene Stimmaterial in eine neue Partitur gebracht, so dass Yuval Zorn am Pult des 70-köpfigen Capitol-Orchesters gemeinsam mit sechs Solisten und acht Choristen eine veritable Wiederentdeckungsarbeit leisten kann. Anstelle eines Bühnenbildes „illustrieren“ die Videoprojektionen des Mixed-Media-Künstlers Tim Seger das Geschehen. Die Aufführung wurde mitgeschnitten und kommt 2026 bei dem Leipziger Label Rondeau Productions auf CD heraus. (Pro Classics

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Riccio – Eine Oper, zwei Leben: Martha Wertheimer, Erich Riede und der Offenbacher Versuch, den Opern-Olymp zu erstürmen – Anmerkungen von Dieter und Hanna Eckhardt [D/HE] und Ralph Philipp Ziegler [RPZ]. [RPZ]: 1929 spazierte (der junge Komponist) Erich Riede morgens durch Manhattan zur Metropolitan Opera, wo er als Dirigierassistent für deutsches Repertoire an einem der bedeutendsten Opernhäuser der Welt angestellt war. Ab 1930 würde er zukünftig in den Sommermonaten in die Heimat wechseln, um bei den Bayreuther Festspielen dem berühmtesten (sic) Dirigenten der Welt zu assistieren: Arturo Toscanini, der ihm auch einen hervorragenden Empfehlungsbrief ausgestellt hat. Für einen 26-jährigen war das eine raketenartige Karriere. Am 1. August 1929 spielte die Musik für ihn allerdings erst einmal wieder in der Heimatstadt Offenbach.

Denn da saßen die Journalistin und Autorin Martha Wertheimer, der Musikverlags-Chef Hans André und er an einem Tisch im Verlagshaus in der Frankfurter Straße 28 und unterschrieben zu dritt den Verlagsvertrag zu ‚Riccio‘. Der Verlag André würde Textbuch und Klavierauszug gedruckt herausbringen und die Orchesterstimmen aus der Partitur ziehen lassen.

(Orchesterstimmen aus der Partitur zu ziehen) fiel ihnen sicher nicht allzu schwer, denn schon vor dem Verlagsvertrag hatte das renommierte Deutsche Nationaltheater in Weimar den ‚Riccio‘ zur Uraufführung angenommen. Das war quer durch die deutschsprachige Presse gegangen. Kurz: Die Opernwelt wusste, dass da von den zwei gewissermaßen Debütanten, Riede und Wertheimer, „was kam“. Generalmusikdirektor Emil Praetorius hatte sogar angekündigt, im Leipziger Sender am Vorabend der Uraufführung Auszüge aus ‚Riccio‘ auf dem Klavier vorzuspielen und der Hörerschaft das neue Werk vorzustellen, das dann am 24. November 1929 erstmals auf die Bühne kommen sollte. (…)  Kurz vor der Uraufführung wurde ‚Riccio‘ abgesetzt; die Presse verlor kein Wort über Gründe. Die starken rechten Kräfte im damaligen Thüringen hätten die Premiere wegen der jüdischen Textautorin verhindert, mutmaßten manche nach dem Krieg. Der Protest der Nazis hatte Praetorius in seiner anti-rechten Programmarbeit aber eigentlich immer eher angestachelt. Warum also? Wir wissen es nicht. Aber wir forschen weiter danach. [RPZ]

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Riedes „Riccio“/ Szene/ Foto Vlada Shcholkina

[D/HE] Martha Wertheimers Tätigkeit bei der Offenbacher Zeitung ging im März 1933 zu Ende, sie wurde aus rassistischen und politischen Gründen entlassen.  Nach immer stärkerer Entrechtung und zahllosen schwersten Demütigungen wurden Martha und ihre Schwester Lydia 1942 mit dem dritten großen FrankfurterErich  Transport ins Vernichtungslager Sobibor verschleppt. Beide begingen vermutlich im Deportationszug Mitte Juni 1942 Suizid.

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[RPZ] (…) Im Mai 1933 war Riede Erster Kapellmeister an der Kölner Oper gewesen und hatte einen Mitgliedsantrag bei der NSDAP unterschrieben (Mitgliedsnummer 2.134.221). In der Partei nannte man diese Opportunisten mit einem Beitritt nach der Reichstagswahl im März 1933 ironisch „Märzgefallene“. 1939, da stand er gerade vor dem Weggang als Musikalischer Oberleiter nach Dortmund, wurde er vom NS-Gaugericht aus der Mitgliederliste gestrichen. Nach dem Krieg begründete Riede das mit seinem Oppositionsgeist. Eine zeitgeschichtliche Untersuchung bringt den Ausschluss mit einem Verfahren wegen § 175, dem Homosexuellenparagraphen, in Verbindung. Die Quelle ist nicht genannt (es war ein Vortrag, keine Publikation), der Autor ist seriös, aber leider jüngst verstorben. Riede leitete dann im Krieg die Opernhäuser in Gablonz (1940–43) und Reichenberg (1943–45). Gegenüber den früheren Jahren war seine Karriere in der NS-Zeit zwar nicht beendet, aber eher eine Sackgasse als der Pfad in eine glänzende Zukunft. In Reichenberg, wird Riede später nach dem Krieg berichten, verbrannten durch Kriegseinwirkung in seiner Wohnung die Partituren seiner Kompositionen.

Erich Riedes „Riccio“/ Szene/ Foto Vlada Shcholkina

Damit war die einzige Partitur der Oper ‚Riccio‘ ein Häufchen Asche. Ab Februar saß Erich Riede fest, und zwar auf dem Jaudenhof in Lenggries bei Bad Tölz. Wie alle einstigen NSDAP-Mitglieder im Amerikanischen Sektor, war auch Riede ein Arbeitsverbot erteilt worden, bis der Entnazifizierungsprozess abgeschlossen sein würde. Das dauerte bei einer parteipolitisch sehr kleinen Charge wie Riede eher lange. Ironie des Schicksals war, dass er gerade wegen des Berufsverbots zum Organisten bei Gottesdiensten der amerikanischen Besatzungsmacht berufen werden konnte, die sogar in ihrer englischsprachigen Standortzeitung über den „Composer-Conductor“ an der Army-Orgel schrieb. Nicht zuletzt sprach Riede ja ein gutes Englisch. Außerhalb der Gottesdienste hatte er reichlich Zeit: Bis er im März 1947 dann als ‚Gruppe IV – Mitläufer‘ eingestuft worden war, hatte er unter Zuhilfenahme eines Klavierauszugs aus dem André-Archiv den kompletten ‚Riccio‘ neu orchestriert. [RPZ]

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Erich Riedes „Riccio“/ Szene/ Foto Vlada Shcholkina

Nach dem Zweiten Weltkrieg war Erich Riede Kapellmeister am Nationaltheater Mannheim (1949) und „Erster Kapellmeister“ an der Staatsoper Dresden (1950–1952). Dort dirigierte er u. a. eine Festaufführung anlässlich der 1000. Vorstellung der Oper Der Freischütz seit der Uraufführung 1821 in Dresden.

Riede wirkte langjährig als Generalmusikdirektor, u. a. am Theater Dessau (1952–1954). 1953 und 1954 dirigierte er bei den Wagner-Festspielen in Dessau. Ab 1954 war er als „Musikalischer Leiter“ am Pfalztheater Kaiserslautern engagiert. Zum Spielzeitbeginn 1956/57 kam er als GMD an das Opernhaus Nürnberg. 1958 dirigierte er am Opernhaus Nürnberg mit großem Erfolg Alban Bergs Oper Wozzeck. Riede legte während seiner Nürnberger GMD-Zeit einen besonderen Schwerpunkt auf die Aufführung der Werke Richard Wagners. 1963 gastierte er mit dem Ensemble der Nürnberger Oper in Barcelona, wo er Aufführungen von Lohengrin und Die Walküre leitete. 1964 wechselte Riede als GMD an das Mainfranken Theater Würzburg; dort blieb er bis zu seiner Pensionierung.  Nach seiner Pensionierung kehrte Riede nach Nürnberg zurück, wo er am Konservatorium Nürnberg eine Meisterklasse in Opernkomposition unterrichtete. Riede komponierte u. a. Orchesterstücke, Lieder und die heute vergessene Oper König Lustik (Uraufführung 1951; Staatstheater Kassel). (Wikipedia)

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Am 26. Oktober 1947 ging für die Oper ‚Riccio‘ von Erich Riede und Martha Wertheimer am Landestheater Coburg erstmals der Vorhang auf. Laut zeitgenössischer Presse war es die erste Opern-Uraufführung in Bayern nach dem Zweiten Weltkrieg. Am 26. Februar 1950 war die Premiere einer weiteren Inszenierung am weit größeren Nationaltheater Mannheim. Beide Inszenierungen erlebten eine Reihe von Aufführungen und ein umfangreiches Presseecho. Die jüdische Gemeinde in Frankfurt bemühte sich (auf eine Korrespondenz mit Riede hin) damals erfolglos um eine Inszenierung an der Oper Frankfurt. [RPZ]

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Zu Erich Riedes „Riccio“/  Premiere 1947 am Landestheater Coburg/Veste Kunstsammlungen

Zur Musik sagt der Komponist und Pianist Olaf Joksch-Weinandy im Gespräch mit Ralph Philipp Ziegler,  Städtischer Kulturamtsleiter der Stadt Offenbach und aktiver Wiederentdecker der Oper „Riccio“:  Es begann damit, dass ich über die pianistisch knifflige Orchestereinleitung stolperte. Die kurze, aber heftige Ouvertüre ist ein virtuoses Wechselbad musikalischer Einfälle aus Spätromantik und Moderne – meist auf drei, statt wie normal auf zwei Notensystemen notiert. Nach dem Durchspielen und Lesen des ganzen Klavierauszuges mein erstes Résumé: Sehr viele Fragezeichen – aber sehr, sehr interessant!

(…) Ich hatte zu Beginn ja noch nicht einmal eine Ahnung, wer der Komponist Erich Riede war, auch nicht, welche Geschichte der Oper zu Grunde liegt. Lediglich die Librettistin Martha Wertheimer war mir ein Begriff. Überrascht war ich dann beim Stöbern, dass das Thema der Ermordung des Privatsekretärs von Königin Maria Stuart schon öfter ein Opernstoff war. Auch Stefan Zweig geht in seinem umfassenden Buch über Maria Stuart auf dieses Thema im achten Kapitel ‚Die Schicksalsnacht von Holyrood‘ ausführlich ein. Zweigs Studie ist aber von 1935. Marta Wertheimer wurde zu ihrem „Riccio“-Text sicher aus einem der zahlreichen älteren Bücher über die Schottische Königin angeregt und verlagert das Geschehen, das konkret am 9. März 1566 stattfand, stimmungshalber auf „einen dunklen, kalten Herbsttag“.  (…)  Martha Wertheimers Text ist voller Weihrauch und religiöser Symbolik. Das Ganze erinnert an die großen, schwärmerischen Gefühlsausbrüche und die überspitzte Sinnlichkeit der Dichter des Symbolismus und der Décadence. (…)

Zu Erich Riedes „Riccio“/ das Offenbacher Capitol, eine ehemalige Synagoge, bietet den Rahmen für die Classic Lounge/ Offenbach.de/ stadtwerke

Ich finde die Musik des jungen Riede (er war damals ja erst Anfang 20!) äußerst selbstbewusst und selbständig. Er kennt sich in der Musikgeschichte und der Musik seiner Zeit bestens aus und wenn man sucht und unbedingt vergleichen möchte, dann finden sich Anklänge an die kalte Archaik Mussorgskys, impressionistische Passagen eines Debussy, Zitate barocker Tänze und modernes, expressives Aufbrausen mit angeschärfter Tonalität – etwa eines Richard Strauss. Riede erschafft aber aus all dem eine ganz eigene, sinnliche, bildhafte, ausdrucksstarke und kraftvolle Musik – die mich in ihrer fesselnden Direktheit auch etwas an Filmmusik erinnert. Das Ganze ist zudem noch absolut raffiniert instrumentiert. Die Musik überdeckt nie den Gesang. Es kommt, nicht zuletzt auch dank des spannenden Bühnengeschehens und dem Höhepunkt in einem grausamen Mord auch musikalisch ganz und gar keine Langeweile auf… (…)

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Zur Aufführung im November 2025 in Offenbach: (…) Hohen Anteil am Erfolg dieses Fundstücks aus dem traditionsreichen André-Musikverlag hatte das Bestform bezeugende Capitol Symphonie Orchester mit Gastdirigent Yuval Zorn, der die zwischen Spätromantik und früher Moderne changierende Musik des jungen, in Offenbach aufgewachsenen Komponisten und Orchesterleiters Riede klanglich zu kanalisieren und dramatisch zu forcieren verstand. Als großartige Tragödin erwies sich die stimmstarke Sopranistin Rinnat Moriah in der Rolle der leidgeprüften Königin Maria, am Ende mit Bravos bedacht. Originell und stimmig auch die Videoprojektionen von Tim Seger und Leyla Amal Cho, der konzertanten Opernaufführung eine Art filmisch bewegtes Bühnenbild zuspielend. (…)

Erich Riedes „Riccio“/ Szene/ Foto Vlada Shcholkina

Los geht es mit einem schrägen Orchester-Fortissimo, das Unheil verspricht, während auf den Projektions-Leinwänden Unwetter herrscht. Wenn Duncan (Gleb Ivanov mit einschmeichelndem Bariton) und der Earl von Bothwell (Bariton Johannes Schwarz, stimmlich souverän) beim König (ein unverhofftes Wiedersehen mit Simon Bailey, dessen hochwertiger Bassbariton lange Jahre die Oper Frankfurt beflügelte) den Sänger Riccio schmähen, sorgen bewegliche Hochhaustürme per Video für eine bedrohliche Atmosphäre. „Goldtropfen rannen aus blassen Wolken, fielen in sehnende Lilienkelche“ – absolut begeistert ist Maria vom Gesang des Riccio, anmutig begleitet von den Chordamen Magdalene Tomczuk, Konstanze Schlaud, Julia Mattheis und Hyowon Jung. Reines Dur ist angesagt in leidenschaftlichen, impressionistisch zerfließenden Klängen des Orchesters, das makellos und intensiv im Ausdruck aufspielt. Szenisch auf Diät, will heißen vor räumlich getrennten Notenpulten stehend, kommen die Liebenden einander allmählich näher. Dann strahlt Rinnat Moriahs selbst im Mezza voce noch klanglich glühender, glockenklarer Sopran starke Leidenschaftlichkeit ab. Schon als Kirchensänger feinfühlig intonierend, erreicht Riccio-Tristan Blanchets warm timbrierter Tenor auch mühelos die Spitzentöne.

Mord und Totschlag bewirken dann einen massiven musikalischen Szenenwechsel. Klanglich tun sich tiefe Krater auf, Komponist Riede ist nach spätromantischer Idylle in der klassischen Moderne angekommen, das Orchester auf expressivem, hochdramatischem Kurs. Und Königin Maria wird zur Furie, ihren Sopran in höchster Lage strapazierend und einen zu Herzen gehenden Abgesang auf ihre große Liebe anstimmend. Während die Wachen Pere Pou Llompart, André Lopes, Isaac Tolley und David Hong einen dunkel dräuenden Extrachor abgeben und auf den Leinwänden wieder Unwetter einsetzt.

Das sind Streiflichter einer selbst halbszenisch fesselnden Operntragödie, deren großer Aufwand sich wahrlich gelohnt hat. Und einem gebührt ein besonderes Lob. Ralph Philipp Ziegler war nicht nur auf Trüffelsuche im André-Archiv erfolgreich, sondern hat diese für Offenbach einmalige Opernproduktion mithilfe vieler wohlwollender Sponsoren auch durchgesetzt. Für nur einen Opernabend eigentlich viel zu schade. Klaus Ackermann (OP-online)

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Erich Riedes „Riccio“/ das gedruckte Libretto von 1929/ Jüdisches Museum Frankfurt

Zur Handlung: Um ihr Drama auf einen einzigen Akt konzentrieren zu können, hat die Librettistin Martha Wertheimer die historischen Tatsachen leicht abgewandelt: Während der reale Lautenist, Sänger und Komponist David Rizzio fünf Jahre in den Diensten der schottischen Königin gestanden hatte, bevor ihn – ärger noch als Julius Cäsar – eine Horde bewaffneter Gewalttäter erdolchte, spielt das Bühnenwerk an einem einzigen Tag. Königin Mary Stuart hört beim (katholischen) Gottesdienst den himmlischen Gesang des Titelhelden. Ihr Gemahl Lord Darnley gesteht ihr seine Liebe und räumt ein, dass es ihm, einem Recken vom Scheitel bis zur Sohle, an der zwischenmenschlichen Zartheit gebricht, um seine Gefühle angemessen zum Ausdruck zu bringen. Aber eben danach sehnt sich die hohe Dame, und so kommt es zwangsläufig zum Ausbruch höchster Leidenschaften: Mary und Riccio verschwinden im Gemach der Königin. Indessen feiert das Schloss ein Fest, wobei James Hepburn, der vierte Earl of Bothwell, von Darnley verlangt, den Rivalen ins Jenseits zu befördern, auf dass er nicht als königlicher Hahnrei dastehe. Darnley bringt für seine Gattin ein gewisses Verständnis auf, gibt aber aus Gründen der Ehre dem Ansinnen nach und setzt zwei Meuchler auf den Italiener an. Riccio stirbt in Marys Armen, die verzweifelte Königin erteilt Bothwell den Befehl, ihren inzwischen entflohenen Ehemann zu töten. Als dieser sich anschickt, dem Übeltäter nachzusetzen und wissen will, was dann werde, versetzt sie: „Ich weiß nicht“ – ein dezenter Hinweis darauf, dass Bothwell (in der historischen Wirklichkeit) nach Darnleys Tod Marys dritter Ehemann werden wird. (Pro Classics)

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Die Texte zur Aufführung, zum Komponisten und der Librettistin sowie die Einschätzung zur Musik von Olaf Joksch-Weinandy entnahmen wir dem Programmheft. Dank auch an Klaus Ackermann,  Ralph Philipp Ziegler sowie besonders an Angela van den Hoogen von der Agentur Pro Classics für die substanzielle Hilfe zur Informationsbeschaffung. Foto oben: Ian Holm/Rizzio und Timothy Dalton/Dudley in dem Film Mary Stuart, 1971/ImDB. G. H.

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Zu Erich Riedes „Riccio“/ Portrait of a Man known as David Rizzio ca 1620/Wikipedia

Und noch einmal Historisches: David Riccio di Pancaliere in Piemont war ein italienischer Höfling, geboren in der Nähe von Turin, ein Nachkomme der Riccio-Grafen von San Paolo et Solbrito. Als junger Mann ging er von Turin nach Nizza, um eine Stelle am Hof des Herzogs von Savoyen zu suchen. Da er keine Aufstiegsmöglichkeiten fand, wurde er 1561 in den Gefolge von Robertino Solaro, Graf Moretta, aufgenommen, der zum Botschafter des Herzogs in Schottland ernannt worden war. Nach seiner Ankunft um 1562 suchte er eine Anstellung bei Maria Stuart. Obwohl keine offizielle Stelle verfügbar war, war er ein ausgezeichneter Sänger und Lautenspieler und freundete sich mit drei Kammerdienern an, die als Musiker mit Maria aus Frankreich gereist waren. Da sie eine gute Bassstimme brauchten, um ein Quartett zu bilden, überredeten sie Maria, ihn anzustellen. Melville beschrieb ihn als fröhlichen Kerl, aber abscheulich hässlich und deformiert (wahrscheinlich ein Buckliger), der jedoch eine Vorliebe für extravagante Kleidung hatte. George Buchanan behauptete gehässig, dass „sein Aussehen seine Eleganz entstellte”. Dennoch war er ein unterhaltsamer Geschichtenerzähler, loyal und diskret zugleich.

Im Dezember 1564 entließ Maria ihren französischen Sekretär, und dessen Weggang ebnete Riccio den Weg zu seiner Anstellung. Dass er kein gutes Französisch schreiben konnte, sodass Maria oft die Korrespondenz umformulieren musste, schien sie nicht zu stören. Bald kontrollierte er den Zugang zu ihr und nahm ungehemmt Bestechungsgelder an, mit denen er zweifellos seine extravagante Garderobe finanzierte. Als er in seiner neuen Rolle immer arroganter und gieriger wurde, betrachteten ihn ihre schottischen Höflinge als „gerissenen, listigen Ausländer” und bezeichneten ihn abfällig als Seigneur Davie. Es wurde sogar vermutet, dass er ein Spion des Papstes war, aber dafür gibt es keine Beweise. Nach seiner Ermordung wurden unter seinen Besitztümern 2.000 Pfund gefunden, die er unmöglich mit seinem Gehalt von 80 Pfund pro Jahr angehäuft haben konnte.

Riedes „Riccio“/ ‘The Murder of Rizzio’ (1787) by John Opie/Hardcoreitalians

Als Lord Darnley 1565 in Schottland ankam, war Riccio einer der engsten Vertrauten Marias. Darnley und Riccio wurden bald Freunde, vielleicht weil sie beide versierte Lautenspieler waren. Riccio brauchte dringend Verbündete, und ihre Freundschaft entstand aus gegenseitigem Interesse. Riccio brauchte den Earl of Lennox und Darnley, um seine Position zu sichern, während er seinerseits alles tat, um Zu Erich Darnley als Marys Ehemann zu fördern. Er wurde in Darnleys „Tafel, seine Gemächer und seine geheimsten Gedanken” aufgenommen. Sie „lagen sogar zusammen in einem Bett”, was als Beweis für eine homosexuelle Beziehung gewertet werden muss.

Die Lords, die gegen die Ehe mit Darnley waren, waren schockiert über die sich entwickelnde Dreiecksbeziehung zwischen Maria, Riccio und Darnley. Mit zunehmendem Einfluss ermutigte Riccio Maria, dem Earl of Moray und William Maitland die Kontrolle über ihre Regierung zu entreißen. Er überzeugte sie davon, dass die Ehe mit Darnley sie von deren Kontrolle befreien würde. Laut George Buchanan, der den Lennoxes nahestand, war Riccio „auch eifrig bemüht, Zwietracht zwischen Darnley und Moray zu säen“. Als Maria ihnen gegenüber unzufrieden wurde, schickte sie Maitland auf Auslandsreisen, um für die Heirat zu werben, was Riccio die Möglichkeit gab, Maitlands Position als Staatssekretär zu übernehmen. Er wurde in den Geheimen Rat berufen, und Mary kann für ihren unverzeihlichen Mangel an Urteilsvermögen verantwortlich gemacht werden, dass sie einem Hofmusiker von zweifelhafter Integrität die Rolle ihres vertrauenswürdigsten und erfahrensten Beraters überließ. Dennoch blieb sie ihm weiterhin eng verbunden. Es heißt, dass Marys Verlobungsfeier mit Darnley (nach der ihnen Geschlechtsverkehr gestattet war) in Riccios Gemächern in Holyrood stattfand, „in Anwesenheit von nicht mehr als sieben Personen“.

Riedes „Riccio“/ Francois Lulvès: The Murder of David Rizzio/ JPC

Sobald Darnley mit Mary verheiratet war, hatten die Regierungsmitglieder zwei Dinge gemeinsam: Sie waren römisch-katholisch und Freunde von Darnley. Riccio fügte sich problemlos in diese Gruppe ein, aber keiner von ihnen war ein Ersatz für Moray oder Maitland. Obwohl Riccio als ihr Staatssekretär fungierte, wurde er nie offiziell dazu ernannt. Dennoch wurde er zum „einzigen Gouverneur” des Königs, der „alles” in seinen Beratungen „bearbeitet”. Er nutzte die Abwesenheit des Königs auf Jagdausflügen, indem er sich einen Stahlabdruck seiner Unterschrift anfertigen ließ, den er als Unterschrift verwenden konnte. Maria vertraute ihm; er hatte viel dazu beigetragen, die Hindernisse für ihre Heirat aus dem Weg zu räumen, und sie genoss seine Gesellschaft, wenn der König nicht da war. Er war gesellig, spielte oft Karten oder musizierte mit ihr bis spät in den Abend hinein. Als Marys Beziehung zum König sich verschlechterte, wuchs ihre Freundschaft zu Riccio. Auch wenn sie ihn vielleicht fälschlicherweise befördert hatte, ist es unwahrscheinlich, dass ihre Verbindung etwas Unangemessenes an sich hatte. Im Herbst 1565 und Frühjahr 1566 war sie schwanger und ziemlich unwohl, und er war kein Adonis, sondern ein Buckliger, der fast einen Fuß kleiner war als sie und ein „unattraktives“ Gesicht hatte. Dennoch kam es Marys Feinden gelegen, zu suggerieren, dass ihre Beziehung mehr war, als man auf den ersten Blick sehen konnte, und sowohl Thomas Randolph, der englische Botschafter, als auch Maitland sahen es als Sprengstoff an, sollte der König davon Wind bekommen. Randolph, der Riccio später als „schmutzigen Ehebrecher” bezeichnete, deutete an, dass hinter Morays Abkehr von Mary etwas viel Dunkleres steckte als seine persönliche Ambition und sein Hass auf den König, wollte seine Gedanken jedoch nicht schriftlich festhalten. Es wurde interpretiert, dass Moray glaubte, Mary habe eine Affäre mit Riccio gehabt, aber es gibt keine Beweise dafür, und es ist sicher, dass sie nur nach Gesellschaft suchte.

Zu Erich Riedes „Riccio“: Mary Stuart and David Rizzio – Marie (Mary) Iere Stuart (1542-1587) with David (Davide) Rizzio – 19th century/ROTMG : OP.1977.202/Rotherham Museums, Arts and Heritage

Elizabeth I. in England tat, was sie konnte, um Morays Rehabilitierung zu fördern, aber Moray musste sich mit Riccio auseinandersetzen. Er bot ihm 5.000 Pfund an, um seine Begnadigung zu erwirken. Riccio, der bereits die Zustimmung des Parlaments suchte, um alle Ländereien der dissidenten Adligen zu beschlagnahmen, verlangte 20.000 Pfund. Die protestantischen Lords wollten einen Sündenbock für den Schritt zum Katholizismus, und Riccio war der offensichtliche Kandidat. Man glaubte, dass er „geheime Verbindungen zum Vatikan hatte”. Doch da Mary immer isolierter wurde, verließ sie sich umso mehr auf ihn. Er hatte „die gesamte Führung der Königin und des Landes” inne. Er sorgte dafür, dass Maitland außen vor blieb und verhinderte MoraysZu  Rückkehr aus dem Exil. Maitland war nicht bereit, den Verlust seiner Position als Staatssekretär kampflos hinzunehmen. Auch er verbreitete die Geschichte, Riccio habe eine Affäre mit Mary, und glaubte, dieser habe ihm seine rechtmäßige Rolle weggenommen. Er war der Architekt der Pläne, ihn zu ermorden und Darnley vom Thron zu entfernen. Er erkannte, dass seine eigene Rehabilitierung davon abhing, den Würgegriff der katholischen Minister um die Königin zu brechen. Dazu wäre die Wiedereinsetzung von Moray erforderlich, aber er begann zu verzweifeln, wie er dies erreichen könnte. Abgesehen von seinem Wunsch, wieder als Staatssekretär eingesetzt zu werden, sah er die Entfernung Riccios als einen wesentlichen Schritt, um eine weitere Verschlechterung der Macht der protestantischen Adligen zu verhindern. Am 9. Februar 1666 schrieb er an William Cecil, den englischen Staatssekretär: Alles kann wieder in den früheren Zustand zurückversetzt werden, wenn der richtige Weg eingeschlagen wird … Ich sehe keinen sicheren Weg, es sei denn, wir schlagen an der Wurzel zu – Sie wissen, wo diese liegt, und soweit ich das beurteilen kann, ist die Gefahr von Unannehmlichkeiten umso geringer, je früher alles geregelt wird.

Er suchte Cecils Zustimmung, um Riccios Ermordung zu arrangieren. Es gab viele Debatten darüber, was Maitland genau mit „an der Wurzel“ meinte. Angesichts seiner engen Verbindung zu Mary Fleming, einer der Maries, ist es unwahrscheinlich, dass er zu diesem Zeitpunkt versuchte, Mary zu stürzen oder sogar ihre Ermordung anzustreben. Es ist jedoch sicherer, dass der König die Unterstützung seines Vaters hatte, um den Mord an Riccio als Mittel zum Sturz der Königin zu nutzen. Nachdem der Plan ausgeheckt war, schrieb Randolph an Cecil:“ Ich weiß, dass Vater und Sohn gemeinsam Pläne schmieden, um gegen ihren Willen die Krone an sich zu reißen. Ich weiß, dass David, wenn das, was beabsichtigt ist, Wirkung zeigt, mit Zustimmung des Königs innerhalb dieser zehn Tage die Kehle durchgeschnitten werden soll. Viele Dinge, die noch schlimmer und schrecklicher sind als diese, sind mir zu Ohren gekommen, ja, sogar Dinge, die gegen ihre eigene Person gerichtet sind.

Zu Riedes „Riccio“: David Rizzio – The musician who won a queen\’s favour (colour litho) by Tennant, C. Dudley (1867-1952); Private Collection; (add.info.: David Rizzio: The musician who won a queen\’s favour. Illustration from Cassell\’s Book of Knowledge (c 1910).); Look and Learn.

Maitland spielte mit dem Ehrgeiz des Königs, die Krone der Ehe zu erhalten. Er deutete an, dass es Riccio war, der Mary davon abhielt, ihm diesen begehrten Status zu gewähren. Er deutete auch an, dass Marys enge Freundschaft mit Riccio mehr als die zwischen einer Königin und ihrem Sekretär war, und stellte sogar die Vaterschaft von Marys ungeborenem Kind in Frage. In Frankreich erreichten Catherine de Medici Gerüchte, dass der König eines Abends spät zu Marys Gemächern zurückgekehrt sei und die Tür verschlossen vorgefunden habe. Nachdem er lautstark Einlass verlangt hatte, fand er Riccio in einem Nachthemd, der sich in einem Schrank versteckt hielt. Dies erscheint höchst unwahrscheinlich, da Riccio eine solche Begegnung kaum überlebt hätte und der König dies nie berichtet hat, selbst als er den Mord rechtfertigen musste. Randolph und der Earl of Bedford, die jede Andeutung von Ehebruch ausnutzen wollten, behaupteten, „dass David zwei Monate lang mehr Gesellschaft von ihrem Körper hatte als er“. Obwohl eine sexuelle Beziehung unwahrscheinlich erscheint, besteht kein Zweifel daran, dass der König übermäßig eifersüchtig auf ihre enge Verbindung wurde. Trotz ihrer anfänglichen Freundschaft glaubte er nun, dass Riccio ihm die politische Einflussposition wegnahm, die ihm selbst zugestanden hätte.

Sobald der König für den Plan gewonnen war, wandte er sich an seine Verwandten aus dem Hause Douglas, um die Angelegenheit zu regeln, und der Earl of Morton und Lord Ruthven trafen die notwendigen Vorkehrungen. Morton sah darin eine Gelegenheit, eine mächtige Position zu erlangen, und ließ sich von Maitland überreden, die offensichtliche Verleumdung der Ehre der Douglas durch die Freundschaft der Königin mit Riccio auszunutzen. Er erkannte jedoch, dass Morays Rehabilitierung notwendig sein würde, um die allgemeine Unterstützung des Adels zu gewinnen.

Sowohl Randolph als auch Bedford waren über die Vorkehrungen gut informiert. Randolph versorgte Cecil mit allen Einzelheiten des Plans und teilte ihm mit, dass Moray beabsichtigte, am Tag nach dem Mord in Edinburgh einzutreffen. Die meisten Leute schienen zu wissen, was vor sich ging. Es handelte sich nicht einfach um einen Plan, Riccio zu ermorden, sondern das Ziel war, den König zu diskreditieren und Moray und Maitland wieder an die Macht zu bringen. Es könnte sogar dazu führen, dass der eigensinnige König und die Königin unter Hausarrest gestellt werden.

Da er seine eigenen Unzulänglichkeiten nicht erkannte und „von seiner eigenen Arroganz geblendet” war, gab Darnley Riccio die Schuld dafür, dass er aus der Regierung ausgeschlossen worden war. Er wollte die Krone für sich selbst und wollte Rache. Die unzufriedenen Adligen waren nur allzu bereit, den Mord zu unterstützen. Seine Jugend und Unerfahrenheit machten ihn zu Wachs in den Händen der skrupellosen, machthungrigen Männer, die ihn umzingelten, und so würde er sich als ihre gefährlichste Waffe erweisen.

Zu Erich Riedes „Riccio“: Mary Queen of SScotland encounters Rizzio/ Holzstich von John S. Davis/ world4.eu

Er glaubte, dass die Krone ihn zur dominierenden Kraft in seiner Partnerschaft mit Mary machen würde. Auch ohne sie waren die Lennoxes in der Lage, die Krone für sich zu beanspruchen, sollte Maria ohne Erben sterben. Da der Herzog von Châtelherault im Exil in Frankreich lebte, mussten sie nur seine Unehelichkeit anführen. Diejenigen, die ihn ermutigten, schmeichelten sich bereitwillig diesen Ambitionen an. Ihr Ziel war es, Marias katholische Berater zu stürzen und so die Religionsfreiheit und ihre Ländereien zurückzugewinnen. Die Beteiligung des Königs bot ihnen praktischerweise Immunität vor Strafverfolgung. Dennoch würden sie ihm niemals erlauben, als etwas anderes als ihre Marionette zu regieren.

Obwohl Maitland ursprünglich den Plan ausgeheckt hatte, achtete er darauf, sich zum Zeitpunkt der Tat nicht in der Nähe aufzuhalten. Er legte Wert darauf, am Abend des Mordes mit den Adligen aus dem Umfeld der Königin in Holyrood zu speisen. Dies allein kann bereits als verdächtig angesehen werden und lässt vermuten, dass er versuchte, sie aus dem Weg zu halten. Die anderen Verschwörer, insbesondere der König, nannten ihn später alle als seinen engen Komplizen, was zur Einziehung seiner Ländereien führte.

Antonia Fraser hat darauf hingewiesen, dass es, wenn ihr Ziel nur darin bestanden hätte, Riccio zu ermorden, relativ einfacher gewesen wäre, dies außerhalb von Edinburgh zu tun, und dass es dafür reichlich Gelegenheiten gegeben hätte. Mortons ursprünglicher Plan war es, Riccio in seinen Gemächern in Holyrood zu fassen. Es scheint jedoch, dass der König den damit verbundenen Tod der Königin und ihres ungeborenen Kindes nicht ablehnte. Durch die Begehung des Verbrechens in ihrer Gegenwart bestand die realistische Erwartung, dass der Schock zu einer Fehlgeburt führen würde, und eine Fehlgeburt in der Mitte der Schwangerschaft führte unweigerlich zum Tod der Mutter. Selbst Randolph verstand dieses Ziel. Der König arrangierte, dass der Mord bei einem privaten Abendessen stattfand, das die Königin in Holyrood gab. Obwohl die anderen Verschwörer dies niemals zulassen würden, glaubte er, dass er auf den Thron erhoben werden würde, wenn Maria starb. Sie spielten sein verräterisches Vorhaben mit, da es einen legitimen Grund für seine zukünftige Absetzung liefern würde. Falls Maria das Komplott überleben sollte, hatten die Verschwörer beschlossen, sie bis zur Geburt ihres Kindes in Stirling gefangen zu halten. Durch die Verwicklung von Darnley hatte Moray alle Hoffnung, an die Macht zu gelangen.

Zu Erich Riedes „Riccio“: Mary I of Scotland with David Riccio, 1542-1587/ History of Scotland

Die Verschwörer vertrauten dem König nicht und bestanden darauf, dass er eine Verpflichtungserklärung unterzeichnete. Sie wollten nicht, dass er später jegliche Kenntnis von der Verschwörung leugnete oder „behauptete, andere hätten ihn dazu überredet“. Am 1. März unterzeichnete er ein Dokument, in dem er bestätigte, dass er der Hauptinitiator des Plans zur Ermordung des „bösen, gottlosen Riccio“ war, auch wenn „die Tat möglicherweise in Anwesenheit Ihrer Majestät, der Königin, stattfinden würde“. Er übernahm die volle Verantwortung dafür, trotz der offensichtlichen Bedenken von Morton und Ruthven. Das Dokument wurde auch von allen aktiv Beteiligten unterzeichnet, darunter Morton und Ruthven. Sie sollten „weder Leben noch Gliedmaßen verschonen, um alles zu tun, was zur Förderung seiner [des Königs] Ehre beitragen könnte“. Die Vereinbarung bestätigte, dass dem König die Krone angeboten werden würde, im Gegenzug dafür, dass er ihnen vergibt und sie schützt und die Rückkehr der Verbannten erlaubt. Er versicherte, dass der Protestantismus trotz seiner öffentlichen Bekundungen des Katholizismus beibehalten werden würde. Er war völlig doppelzüngig.

Am Morgen des 9. März spielte der König mit Riccio Tennis, vermutlich um jeglichen Verdacht auszuräumen, und am Abend gab Mary ein kleines Familienessen in Holyrood in einem kleinen Raum neben ihrem Schlafzimmer. Riccio erschien in einem mit Pelz verzierten Damastgewand über einem Satindoppelrock und rostbraunen Samthosen. Er trug eine Kappe, die er in ihrer Gegenwart nicht abnahm, wie er es hätte tun sollen. Zur großen Überraschung der Gäste gesellte sich der König zu ihnen und setzte sich neben Mary. Er war freundlich und wurde gut aufgenommen, doch plötzlich erschien Ruthven mit einem Helm und einer Rüstung unter seinem Umhang. Er verlangte, dass Riccio, der sich hinter der Königin versteckte, ausgeliefert werde. Mary verlangte zu erfahren, welches Vergehen Riccio begangen hatte. Er antwortete ihr: „Er hat Eure Ehre verletzt, doch ich wage es nicht, darüber zu sprechen.“ Er beschuldigte Riccio außerdem, die Gewährung der Kronvermählung durch den König behindert und viele der Lords mit dem Plan, ihnen ihre Ländereien zu entziehen, verbannt zu haben. Mary antwortete, dass Riccio, wenn er Unrecht getan habe, vor Gericht gestellt werden solle. Sie fragte den König, ob Ruthven auf seine Anweisung hin handelte, aber er bestritt jede Beteiligung. Die Gäste des Abendessens versuchten, Ruthven zu überwältigen, aber er zog eine Pistole und ging mit seinem Dolch auf Riccio zu, der sich immer noch hinter Mary in der Fensternische versteckte. Ruthven schubste die Königin aus dem Weg und sagte ihr, dass er mit Zustimmung des Königs handele. Andere Verschwörer tauchten auf, und einer ergriff den Dolch des Königs und stieß ihn Riccio so nahe an der Königin entgegen. Melville behauptete, dass der Dolch „in ihm stecken geblieben“ sei. Auf den Knien und an den Röcken der Königin festhaltend, schrie Riccio: „Gerechtigkeit! Gerechtigkeit! Retten Sie mich, meine Dame! Ich bin ein sterbender Mann. Verschonen Sie mein Leben!“ Doch der König bog seine Finger zurück, während andere ihn aus dem Raum zerrten.

Zu Erich Riede „Riccio“: British (Scottish) School; Henry Stuart (1545-1567), Lord Darnley, and Mary, Queen of Scots (1542-1587); National Trust, Hardwick Hall; Wkipedia

Riccio scheint durch das Schlafgemach der Königin in den Audienzsaal gezogen worden zu sein, wo bewaffnete Männer warteten. Sie waren „so vehement gegen David aufgebracht, dass sie es nicht länger aushalten konnten“. Morton und mehr als ein Dutzend Anhänger erstachen ihn brutal. An seinem Körper wurden zwischen dreiundfünfzig und sechzig Wunden gefunden. Die Verschwörer ließen den Dolch des Königs in Riccios Seite stecken. Darnley veranlasste, dass Riccios zerfleischter Leichnam aus dem Audienzsaal entfernt wurde. Er wurde die Treppe hinuntergeworfen und auf einer Holzkiste in der Portierloge abgelegt. Der Porter  entfernte den Dolch des Königs und zog ihm die kostbaren Kleider aus. Am nächsten Tag wurde seine Leiche still auf dem Canongate-Friedhof in der Nähe des Tors zur Holyrood Abbey beigesetzt. Mary veranlasste später, dass sein Leichnam mit allen katholischen Ehren in einem „schönen Grab“ in der Abteikirche von Holyrood wiederbestattet wurde.

Trotz Riccios Tod wurde keines der Ziele der Verschwörung erreicht. Der König erhielt nicht die Krone der Ehe. Mary erlitt keine Fehlgeburt, schaffte es jedoch, den König von seinen Mitverschwörern zu trennen und mit Hilfe des Earl of Bothwell nach Dunbar zu fliehen. Nun war es Bothwell und nicht mehr Moray, der das Ohr der Königin hatte. Maria konnte Darnley nicht wegen seiner verräterischen Beteiligung anklagen, ohne die Legitimität ihres ungeborenen Kindes zu gefährden, aber die übrigen Verschwörer wurden für schuldig befunden und ins Exil geschickt. Obwohl es keine konkreten Beweise für die Beteiligung von Maitland gab, wurde auch er für schuldig befunden und zog sich in den Norden zurück. (MaryQueenofScots.net/DeepL)

 

Glanzpartie

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Ene neue Einspielung von Donizettis Lucia di Lammermoor muss dem Vergleich mit einer Reihe von Referenz-Aufnahmen standhalten. EuroArts hat sich dieser Herausforderung gestellt und eine Gesamtaufnahme herausgebracht, für die vor allem Lisette Oropesa in der Titelrolle der Anlass war (2011175, 2 CDs). Die amerikanische Sopranistin mit kubanischen Wurzeln führt derzeit die Riege der lyrischen Koloratursopranistinnen an, reüssiert weltweit in diesem Fach. An der Berliner Staatsoper hat sie soeben mit großem Erfolg die Violetta und Gounods Juliette gesungen. Auch die Lucia zählt zu ihren Glanzpartien.

2017 trat sie damit am  Royal Opera House Covent Garden London auf, ein Jahr später am Teatro Real in Madrid, 2022 an der Wiener Staatsoper und 2023 an der Mailänder Scala. Es war also an der Zeit, ihre Interpretation zu dokumentieren, wofür die Mikrofone im sizilianischen Catania, der Geburtsstadt Bellinis, installiert wurden. Und natürlich kam es auch zur Verpflichtung von Chor und Orchester des Teatro Massimo Bellini di Catania. Dirigent ist Fabrizio Maria Carminati, der als Spezialist für das Belcanto-Repertoire gilt. Nach seinem Wirken als Artistic Director bzw. Intendant am Teatro Regio Torino, am Teatro Donizetti Bergamo und in der Arena di Verona ist er seit 2020 Artistic Director am Teatro Massimo Bellini di Catania. Er sorgt für eine spannende, dramatisch aufgeheizte Interpretation, die im Finale des 2. Aktes zu Atem beraubender Intensität eskaliert. Auch das oft gestrichene Duett zwischen Edgardo und Enrico zu Beginn des 3. Aktes profitiert von seinem Impetus. Engagiert und klangvoll singt der Coro des Theaters in der Einstudierung von Luigi Petrozziello.

Die Aufnahme spiegelt die reiche Bühnenerfahrung von Lisette Oropesa wider. Schon in der Auftrittsszene nimmt sie gefangen mit ihrem individuell timbrierten Sopran, dem melancholischen Klang und der souveränen Technik. Die Cabaletta „Quando rapito in estasi“ zeigt ihre Kompetenz beim bravourösen Zierwerk der Partie, die später in der langen Wahnsinnsszene ihren Höhepunkt findet. Ungemein berührend ist die Melancholie im Auftritt („Il colce suono“), die sich dann bei „Spargi d´amaro pianto“ zu ekstatischem Koloraturtaumel steigert. Vorher gab es das anfangs heftige, dann schwelgerische Duett mit Edgardo („Ah! Verranno no a te“), die von wehmütiger Stimmung gezeichnete Auseinandersetzung mit ihrem Bruder Enrico und die fatale Konfrontation mit Edgardo bei der Hochzeitszeremonie mit Arturo, welche in das berühmte Sextett mündet, das auch hier einen dramatischen Höhepunkt der Oper markiert. In all diesen Szenen kann die Sopranistin ihre gestalterischen Fähigkeiten einbringen und die Stimme zwischen lyrischer Finesse und dramatischem Furor glänzen lassen.

Lisette Oropresa an der Scala als Lucia di Lammermoor/youtube RAI

Neben ihr singt der Rumäne Stefan Pop einen energischen Edgardo mit virilem Tenor, zupackend in der Emphase und mit metallischem Glanz in der exponierten Lage. Nur lyrische Eleganz ist seine Sache nicht. Der Italienische Bariton Mattia Olivieri gibt dem Enrico mit markiger, vehement auffahrender Stimme markantes Profil. Nicht ganz dieses Niveau besitzt der italienische Bass Riccardo Zanellato als Beichtvater Raimondo, dessen Stimme etwas verquollen und in der Tiefe matt klingt. Auch der zweite Tenor, Didier Pieri als Arturo, bleibt mit flacher Stimme zurück. Trotz dieser Einschränkungen reiht sich die Einspielung würdig in die Vielzahl der vorhandenen Dokumente ein und dürfte für viele Musikfreunde auch eine willkommene Überraschung auf dem Gabentisch sein. Bernd Hoppe

Thomas Beecham zum Zweiten

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Wagner zwischen Delius, Offenbach, Berlioz und Debussy. Im gängigen Konzertbetrieb nur schwer vorstellbar. Bei Thomas Beecham schon. Er ist ein Meister der unkonventionellen Vielseitigkeit gewesen. Sie war sein Markenzeichen. Grenzen zwischen den Stilen hat er oft nonchalant ignoriert. Nachdem Warner Classic eine Sammlung seiner Stereoaufnahmen auf den Markt gebracht hatte (502173408914), folgten nun in noch viel größerem Umfang die Monoproduktionen. Diese Disproportion bildet seine Lebensdaten ab. Er wurde am 29. April 1879 in St Helens geboren und starb am 8. März 1961 in London. In der Hauptsache konzentrierte sich sein Wirken also auf die Zeit vor dem Siegenzug der Stereophonie, der einen gewaltigen Schub für die Musikindustrie mit sich brachte.

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Im Booklet wird es so zusammengefasst: „Beechams Aufnahmekarriere, die sich über die Jahre 1910 bis 1959 erstreckte, spiegelt die Entwicklung der Analog-Ära wider: von akustischen zu elektrischen Verfahren, vom monophonen zu stereophonen Klang (einschließlich eines wegweisenden Experiments von 1934, der ersten Orchester-Stereoaufnahme, die jemals in Europa gemacht wurde) und der Einführung des Magnetbandes.“ Dabei handelt es sich um Mozarts Jupiter-Sinfonie, die in der Stereo-Box auf CD 7 als Bonus zu finden ist. Wer sich also genauer mit ihm beschäftigen will, darf keine Scheu vor historischen Aufnahmeverfahren haben.

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Die neue Edition umfasst dreiundfünfzig CDs, die in einer eleganten Box in sanften Farbtönen untergebracht sind mit einem Coverfoto, das an ein Gemälde vom charismatischen Dirigenten erinnert (5021732629951). Sie macht etwas her und gereicht den Regalen der Sammler auch zur optischen Ehre. Das Auge darf also mithören. Konservativ wie die äußere Gewandung der Ausgabe erweist sich die praktische Handhabung. Wie in einem Karteikasten ist es am Ende immer ein bisschen Glücksache, welches Werk man beim Durchblättern erwischt, weil die Rücken der Hüllen nicht beschriftet sind. Das muss aber kein Nachteil sein bei der Erkundung dieser reichhaltigen Neuanschaffung. Überraschende Funde gehören irgendwie dazu. Die Edition ist die leibhaftige Verneinung des weit verbreiteten Streamings. Mal eben etwas vom Handy hören, ist nicht.

Für Beecham war Richard Wagner von zentraler Bedeutung. In der Neuerscheinung wird das zwar nicht überragend deutlich. Doch die Übernahme eines Mitschnitts von Tristan und Isolde mit drei CDs von 1937 aus Covent Garden, die den Bestand wie ein Monolith überragt, muss als Indiz genügen. Wie in einer kritischen Ausgabe eines literarischen Werkes gibt es im Vergleich mit der ersten offiziellen CD-Pressung, die 1991 bei der EMI in der Références-Serie erschien, dezent angebrachte Korrekturen. Erstmals gab es diesen Tristan 1983 auf Schallplatten bei Discocorp, was nun auch vermerkt wird. Man muss aber genau hinsehen – und hinhören. Seinerzeit wurde zwar in Kleingedruckten auch schon darauf hingewiesen, dass sich der Mitschnitt aus zwei verschiedenen Aufführungen, nämlich vom 18. Juni und ergänzend vom 22. Juni desselben Jahres zusammensetzt. Eine Tatsache, der auch die meisten Firmen Rechnung trugen, die das Dokument auf dem so genannten grauen Markt hin und her reichten meist mit dem Zusatz, dass sich auch die Besetzungen unterschieden, was sich auf dem EMI-Cover aber nicht abbildete. Dort schien es nur eine durchgehende Besetzung gegeben zu haben. Bei Warner ist nur schwarz auf weiß zu lesen, dass der ersten Aufzug bis auf den Schluss sowie der komplette zweite Akt vom 18. Juni stammten, der Rest wurde vier Tage später mitgeschnitten. Nun ist auch offiziell bestätigt, dass sich die Besetzung in zwei Rollen unterscheidet. Magarete Klose als Brangäne wurde am 22. Juli durch Karin Branzell ersetzt und Herbert Janssen als Kurwenal durch Paul Schöffler. Die Aufteilung der Partie ist aber so erfolgt, dass die Klose die Höhepunkte ihre Partie behält, was für ihre noch immer zahlreichen Verehrer ein großer Gewinn ist. Nie war sie besser. Kirsten Flagstad und Lauritz Melchior – auf dem Gipfel ihres Könnens – singen durchgehend das Titelpaar mit unerschütterlichen Kraftreserven und einer Leuchtkraft, die ihresgleichen sucht. Sie sind Teil der Spannung, die der Dirigent am Pult zu erzeugen vermag und hüten sich, eigene Wege zu gehen. Der Klang lässt für die Zeit kaum Wüsche offen. Sven Nilsson singt durchgängig den König Marke. Tristan ist neben der vielfach veröffentlichten und noch heute sehr geschätzten Bohéme von 1956 mit Victoria de los Ángeles und Jussi Björling, dem frühen Gounodschen Faust mit Heddle Nash in der Titelrolle von 1929/1930, dem lyrischen Drama La Village Romeo and Juliet nach Keller von Delius sowie Mozarts Zauberflöte eine von fünf kompletten musikdramatischen Werken der neuen Edition.

Eva Turner mit Thomas Beecham 1935 in Covent Garden. Sie ist mit italienischen Arien in der Edition vertreten / EMI Group Archive Trust (Booklet)

Immer wieder stößt man auf bemerkenswerte einzelne Nummern. Von Wagner sind das diverse Ouvertüren und Vorspiele, zudem eine ergreifende Szene aus den Meistersingern in Govent Garden von Mitte der dreißiger Jahre mit deutschsprachiger Besetzung. Torsten Ralf singt das Preislied des Stolzing, in das Eva (Tiana Lemnitz), Sachs (Rudolf Bockelmann) und Pogner (Ludwig Weber) einstimmen. Im berühmten Abbey Road Studio No. 1 nahm Weber noch drei Auftritte des Hagen aus Götterdämmerung für die Platte auf, darunter seine „Wacht“. Eine unverhoffte Begegnung gibt es mit Eva Turner, die mit ihrem flutenden Sopran auf einer CD (5) vier Opernszenen beisteuert, bei denen sie von Beecham begleitet wird: „Suicidio“ aus La Gioconda von Ponchielli, „Vissi d’arte“ aus Puccinis Tosca, Santuzzas „Voi lo sapete“ aus Cavalleria rusticana und von Verdi Aidas „Ritorno vincitor“ sowie Leonoras „D’amor sull’ali rosee“ aus Trovatore. Damit hat sich die Opernausbeute noch nicht erschöpft. Margherita Grandi ging 1948 ebenfalls ins Studio, um als Lady zwei Höhepunkte aus Verdis Macbeth aufzunehmen: „La luce langue“ und in aller Ausführlichkeit die gespenstische Wahnsinnsszene mit Dama und Medico. Dabei ist einer der unnachahmlichen Stärken von Beecham nachzuspüren – nämlich der Fähigkeit, die unheimliche Dramatik des Werkes in verdichteter Form einzufangen. Allerlei Ouvertüren, darunter zu Webers Freischütz und Oberon sowie zu Nicolais Lustige Weiber von Windsor runden das reichhaltige Opernangebot ab.

Die „Zauberflöte“ wurde im Beethovensaal aufgennommen, der auf dem Gelände der Alten Philharmonie in Berlin stand. Er überstand den Krieg, wurde aber 1952 abgerissen. / Wikipedia

Unter der Überschrift „Technischer Hinweis“ wird im Booklet auf die Komplexität der Diskografie des Dirigenten verwiesen: „Zwischen 1944 und 1948 nahm EMI in England eine Reihe von Beecham-Alben im Auftrag von RCA Victor auf, basierend auf einer gegenseitigen Vertriebsvereinbarung, die den Austausch von Veröffentlichungen ermöglichte: RCA- Alben wurden in Europa über EMI/Columbia Graphophone vertrieben und umgekehrt. Obwohl diese Alben unter dem HMV-Label erschienen, gehörten sie nicht EMI und unterliegen daher nicht der Kontrolle von Warner Classics, weshalb sie von dieser Edition ausgeschlossen sind. Des Weiteren nahm EMI von 1949 bis 1952 eine Reihe von Beecham-Alben in England im Auftrag des amerikanischen Columbia-Labels auf, das eine Vereinbarung mit EMI über den doppelten Vertrieb in Europa und den Vereinigten Staaten hatte. In diesem Zeitraum gab es auch einige amerikanische Columbia-Aufnahmen mit amerikanischen Orchestern, die von American Columbia, das damals der Columbia Broadcasting System (CBS) gehörte, aufgenommen wurden. Obwohl die englischen Aufnahmen unter dem englischen Columbia-Label erschienen, gehörten keine dieser American Columbia-Aufnahmen EMI — sie gehörten CBS. Da auch sie nicht der Kontrolle von Warner Classics unterliegen, sind sie ebenfalls von dieser Edition ausgeschlossen. Darüber hinaus wurde Beechams Vertrag mit American Columbia, der ursprünglich in einer Vereinbarung mit EMI geschlossen wurde, 1952, kurz bevor American Columbia und EMI ihre Vereinbarung beendeten, um drei weitere Jahre verlängert. Aus diesem Grund wurden seine Aufnahmen in England zwischen 1952 und 1955 nicht von EMI, sondern von Philips im Auftrag von American Columbia im Rahmen einer neuen Vereinbarung gemacht, bei der Philips der europäische Vertriebspartner für American Columbia-Aufnahmen wurde.“

Während die 1947 in London von der BBC mitgeschnittene nur leicht gekürzte erste Troyens-Aufnahme offenbar aus den geschilderten Urheberrechtsgründen in der Edition nicht berücksichtigt werden konnte und auch nicht erwähnt wird, hat die ebenso berühmte Zauberflöte unter den Mono-Produktionen ihren verdienten Platz. Die Umstände ihres Entstehend sind dramatisch gewesen. Unter Leitung des britischen Produzenten Walter Legge wurde die Oper im November 1937 und im März 1938 November erstmals unter Studiobedingungen für die Schallplatte aufgenommen – allerdings ohne Dialoge. Diese Praxis war seinerzeit nicht unüblich. Noch 1952 griff Karajan bei seiner Wiener EMI-Einspielung, 1955 Karl Böhm bei der Decca darauf zurück. Ursprünglich hatte Richard Tauber und nicht der robustere Helge Rosvaenge den Tamino singen sollen, war aber wegen seiner jüdischen Herkunft 1937 im nationalistischen Deutschland nicht mehr durchzusetzen. Das galt auch für Alexander Kipnis, der ein idealer Sarastro gewesen wäre und den stimmlich etwas kleinformatigeren Wilhelm Strienz weit hinter sich gelassen hätte. Herbert Janssen mit dem noblen Bariton, der für den Sprecher vorgesehen gewesen ist, war inzwischen ins Ausland geflüchtet und setze seine erfolgreiche Karriere vor allen in Amerika fort. Statt seiner sang nun Walter Grossmann. Gesetzt waren für die weiblichen Hauptrollen Erna Berger als Königin der Nacht und Tiana Lemnitz als Pamina. Die Aufgaben des Chores übernahm Favres Solisten Vereinigung, ein gut geschultes Berliner Ensembles aus Studenten und jungen Berufsmusikern, darunter die 22jährige Elisabeth Schwarzkopf, die damit ihre allerstere Plattenaufnahme ablieferte. Ihr Name wird nicht auf dem Titel, sondern nur in der Literatur genannt. Doch wer die Stimme der jungen Schwarzkopf kennt und genau hinhört, findet sie heraus. Das Leuchten des Ensembles beruht auf ihrer leichten und charakteristischen Höhe. Es sollte nicht ihre letzte professionelle Mitwirkung in einem Chor bleiben. Bei der Einspielung des Brahms-Requiem 1947 in Wien genügten dem Dirigenten Herbert von Karajan die Chorsoprane nicht. Die Schwarzkopf gab ihnen Halt und Stütze. Auch hier schwebt ihr unverwechselbarer Ton über den Stimmen der Kolleginnen. Doch zurück zur Zauberflöte, die sich für ihre Zeit in einem erstaunlich guten Klang präsentiert. Alle Stimmen sind außerordentlich präsent und bestens zu verstehen. Die Aufnahmesitzungen mit den Berliner Philharmoniker fanden im Beethovensaal der alten Philharmonie an der Bernburger Straße statt. Dieser Saal ist nicht zu verwechseln mit dem großen orgelbestückten Konzertsaal. Er befand sich aber in dessen unmittelbarer Nähe. Bei dem schweren Bombenangriff am 30. Januar 1944 blieb er weitgehend unversehrt und konnte deshalb auch noch nach Kriegende für Konzerte genutzt werden bis er 1952 bei der Räumung des großen Geländes gesprengt wurde.

Die Aufnahmesitzungen zogen sich auch wegen des peniblen Dirigenten, der nicht schnell zufrieden war, hin. So dass Beecham im Jahr darauf nochmals anreiste, um Korrekturen vorzunehmen. Hitlerdeutschland stand auf den Höhepunkt seiner Macht, Hakenkreuzfahren dominiert das Berliner Stadtbild. Der Beginn des Zweiten Weltkrieges stand unmittelbar bevor. Vor diesem bedrohlichen historischen Hintergrund grenzt das Zustandekommen dieser Produktion an Wunder. Sie ist wie ein Sieg der Musik über die Barbarei. Mit Beechams Zauberflöte verbindet sich eines der spannendsten Kapitel der Schallplattengeschichte. In der gut sortierten Edition bildet sich das nicht mehr ab. Im Vergleich mit der Aufgabe von Nimbus, die auch auf das Original zurückgreift, fehlen die besonderen historischen Bezüge, was schade ist. Deshalb ist Sammlern nur zu empfehlen, die 1991 erschienene Edition mit ihrer ausführlichen Dokumentation zu behalten. Sie wird durch die Neuerscheinung von Warner nicht überflüssig.

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Joseph Haydn und Mozart stellen neben einem großen Querschnitt durch das Werk des von Beecham hoch geschätzten Frederik Delius die größten Posten sinfonischer Musik in der neuen Edition, in der sich auch Beethoven, Sibelius, Brahms, Händel, Mendelssohn Bartholdy, Schubert, Tchaikovsky, Richard Strauss, Dvorak und Grieg vertreten finden. „Eine weitere Besonderheit in Beechams Diskografie besteht darin, dass einige Studiositzungen spezifischer Werke, die in Mono aufgenommen wurden, nur wenige Monate oder Jahre später als völlig andere Aufführungen in Stereo wiederholt wurden, um die neue Stereophonie-Technologie zu nutzen“, heißt es im Booklet. „In einigen Fällen behielt EMI dasselbe Cover-Artwork bei, obwohl es sich um separate Aufnahmen handelte.“ Diese Mono-Aufnahmen wurden „selbstverständlich“ in diese Sammlung aufgenommen, wobei die späteren Stereo-Aufnahmen im zuvor veröffentlichten Beecham Stereo-Boxset zu finden sind. (Foto oben Ausschnitt dem Booklet der Stereo-Edition / EMI Group Archive Trust). Rüdiger Winter

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Thomas Beecham – The Mono Era on HMV & Columbia Graphophone 1926-1959: Mit Werken von: Emmanuel Chabrier (1841-1894) Granville Bantock (1868-1946) Edward German (1862-1936) Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Ludwig van Beethoven (1770-1827) Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) Alexander Borodin (1833-1887) Nikolai Rimsky-Korssakoff (1844-1908) Frederick Delius (1862-1934) Kurt Atterberg (1887-1974) Georg Friedrich Händel (1685-1759) Edvard Grieg (1843-1907) und weitere

Mitwirkende: Dora LabetteMuriel BrunskillHubert EisdellJoseph SzigetiKirsten FlagstadLauritz MelchiorBirgit NilssonLouis (Lajos) KentnerJean PougnetElsie SuddabyJascha HeifetzHumby Beecham und weitere; 53 CDs

  1. 1.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Die Zauberflöte-Ouvertüre KV 620; Symphonie Nr. 34; Minuetto Nr. 2 aus Divertimento KV 131 / Ludwig van Beethoven: Symphonie Nr. 2
  2. 2.CD Kurt Atterberg: Symphonie Nr. 6 / Felix Mendelssohn: Scherzo aus Ein Sommernachtstraum op. 61 / Alexander Borodin: Tanz & Marsch der Russen aus Fürst Igor / Nikolai Rimsky-Korssakoff: Marsch aus Antal op. 9; Frederick Delius: The Walk to the Paradise Garden; 2 Pieces for small Orchestra; Brigg Fair
  3. 3./4.CD Georg Friedrich Händel: Der Messias
  4. 5.CD Lieder & Arien von Edvard Grieg, Amilcare Ponchielli, Giacomo Puccini, Pietro Mascagni, Giuseppe Verdi, Frederick Delius / Giacomo Puccini: La Boheme (Auszüge)
  5. 6./7.CD Charles Gounod: Faust
  6. 8.CD Georg Friedrich Händel: Larghetto aus Concerto grosso op. 6 Nr. 3; Ankunft der Königin von Saba aus Solomon; Chöre aus Die Israeliten in Ägypten / Georg Friedrich Händel: Ballettsuite „Origin of Design“; Ballettsuite „The Begging Gods“ (Auszüge)
  7. 9.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Violinkonzert Nr. 4 / Felix Mendelssohn: Violinkonzert op. 64 / Serge Prokofieff: Violinkonzert Nr. 1
  8. 10.CD Gioacchino Rossini: La Scala di Seta-Ouvertüre; Wilhelm Tell-Ouvertüre; Die Seidenleiter, Wilhelm Tell und Die diebische Elster – Ouvertüre; La gazza ladra-Ouvertüre / Ottorino Respighi: Respighi: Rossiniana / Alexander Borodin: Tänze & Märsche der Tataniten aus Fürst Igor / Felix Mendelssohn: Orchesterstücke aus Ein Sommernachtstraum; Die Hebridenohn: Fingal’s Cave, op. 26 / Otto Nicolai: Die lustigen Weiber von Windsor-Ouvertüre
  9. 11.CD Frederick Delius: Paris, the Song of a great City; Eventyr; Closing Scene aus Koanga; Summer Night on the River; Intermezzo; Over the Hills and far away; In a Summer Garden
  10. 12.CD Frederick Delius: Hassan; Sea Drift; Appalachia; La Calinda
  11. 13.CD Frederick Delius: Prelude aus A Mass of Life; La Calinda; Irmelin-Prelude; 4 Songs; Songs of Sunset; An Arabesque / Antonin Dvorak: Slawische Rhapsodie Nr. 3; Legenden Nr. 1 & 2
  12. 14.CD Richard Wagner: Vorspiele, Ouvertüren & Arien aus Opern
  13. 15.-17.CD Richard Wagner: Tristan und Isolde
  14. 18.CD Georges Bizet: La Jolie fille de Perth-Suite; L’Arlesienne-Suite / Hector Berlioz: La Carnaval romain; La Damnation de Faust (Auszüge) / Jacques Offenbach: Les Contes d’Hoffmann-Suite / Claude Debussy: Prelude a l’apres-midi d’un faune
  15. 19.CD Johannes Brahms: Symphonie Nr. 2; Tragische Ouvertüre op. 81 / Ludwig van Beethoven: Symphonie Nr. 2
  16. 20.CD Joseph Haydn: Symphonien Nr. 93, 99, 104 / Georg Friedrich Händel: The Gods go a’begging (Ausz.)
  17. 21.-23.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Symphonien Nr. 29, 31, 34-36, 38-41; Le Nozze di Figaro-Ouvertüre; Don Giovanni-Ouvertüre
  18. 24./25.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Die Zauberflöte; Messe c-moll KV 427 (Auszüge)
  19. 26.CD Franz Schubert: Symphonien Nr. 5 & 8 / Franz von Suppe: Ein Morgen, ein Mittag, ein Abend in Wien-Ouvertüre / Felix Mendelssohn: Ruy Blas-Ouvertüre / Gioacchino Rossini: Semiramide-Ouvertüre / Johann Strauss II: Frühlingsstimmen
  20. 27.CD Jean Sibelius: Violinkonzert op. 47; Der Sturm (Auszüge); Festivo; Lemminkäinens Heimkehr; Der Barde
  21. 28.CD Jean Sibelius: Symphonie Nr. 4; Finlandia; In Memoriam; Luolema; En Saga; Pelleas et Melisande (Auszüge)
  22. 29.CD Georges Bizet: Carmen-Suite / Edvard Grieg: Peer Gynt-Suite Nr. 1 / Emanuel Chabrier: Espana / Cesar Franck: Symphonie d-moll / Andre Modeste Gretry: Pantomime aus Zemire et Azor
  23. 30.CD Carl Maria von Weber: Der Freischütz-Ouverütüre; Oberon-Ouvertüre / Lord Berners: The Triumph of Neptune (Auszüge) / Wolfgang Amadeus Mozart: Klavierkonzert Nr. 12 / Georg Friedrich Händel: The Faithful Shepherd
  24. 31.CD Peter Tschaikowsky: Symphonie Nr. 5; Francesca da Rimini / A. Beecham: 3 Songs
  25. 32.CD Peter Tschaikowsky: Romeo & Julia; Symphonie Nr. 3 / Giuseppe Verdi: Macbeth (Auszüge)
  26. 33.CD Jean Sibelius: Symphonie Nr. 2; Karelia-Suite; Tapiola
  27. 34.CD Emanuel Chabrier: Joyeuse Marche / Claude Debussy: Printemps / Arnold Bax: The Garden of Fand / Camille Saint-Saens: Le Rouet d’Omphale / Jules Massenet: Le Dernier Sommeil de la Vierge / Hector Berlioz: Le Roi Lear / Franz Liszt: Oprheus
  28. 35.CD Ludwig van Beethoven: Klavierkonzert Nr. 4 / Felix Mendelssohn: Scherzo aus Oktett; Die schöne Melusine; Ein Sommernachtstraum-Ouvertüre; 2 Lieder ohne Worte / Antonin Dvorak: Das goldene Spinnrad
  29. 36.CD Richard Strauss: Der Bürger als Edelmann; Don Qixote; Liebesszene aus Feuersnot; Tanz der sieben Schleier aus Salome
  30. 37.CD Richard Strauss: Ein Heldenleben; Träumerei am Kamin / Frederick Delius: Violinkonzert; Dance Rhapsody Nr. 1
  31. 38.CD Frederick Delius: Dance Rhapsodies Nr. 1 & 2; The Song of the High Hills; Songs of Sunset; Marche-caprices; Irmelin Prelude; Prelude Nr. 6 aus A Mass of Life; 2 Songs
  32. 39.CD Frederick Delius: Klavierkonzert; Brigg Fair; On the Mountains; 2 Pieces for small Orchestra; Summer Evening; A Song before Sunrise; 2 Songs
  33. 40./41.CD Frederick Delius: A Village Romeo and Juliet; Dance Rhapsody Nr. 1
  34. 42.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Konzert für Flöte, Harfe, Ochester KV 299; Violinkonzert Nr. 4 / Felix Mendelssohn: Violinkonzert op. 64
  35. 43.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Divertimento KV 131; Divertimento KV 287 (Auszüge); Die Zauberflöte-Ouvertüre / Joseph Haydn: Symphonien Nr. 40 & 102
  36. 44.CD Wolfgang Amadeus Mozart: Violinkonzert Nr. 3; Klavierkonzert Nr. 16 (Auszüge) / Georg Friedrich Händel: Sarabande aus Amaryllis-Suite
  37. 45./46.CD Giacomo Puccini: La Boheme
  38. 47.CD Georges Bizet: Patrie; Carnaval aus Roma / Modest Andre Gretry: Zemire et Amor-Ballettmusik
  39. 48.CD Joseph Haydn: Symphonien Nr. 93-95; Probe zur Symphonie Nr. 101
  40. 49.CD Joseph Haydn: Symphonien Nr. 96 & 96 / Ludwig van Beethoven: Symphonie Nr. 7
  41. 50.CD Peter Tschaikowsky: Symphonie Nr . 5 / Edward German: Gypsy Suite
  42. 51.CD Cesar Franck: Symphonie d-moll / Hector Berlioz: Symphonie fantastique op. 14
  43. 52.CD Georges Bizet: Symphonie C-Dur; Edouard Lalo: Symphonie; Emanuel Chabrier: Gwendoline-Ouvertüre
  44. 53.CD Jean Sibelius: Symphonie Nr. 2 / Antonin Dvorak: Symphonie Nr. 8 / Richard Wagner: Die Meistersinger von Nürnberg-Vorspiel

Künstler: Dora Labette, Muriel Brunskill, Hubert Eisdell, Joseph Szigeti, Kirsten Flagstad, Lauritz Melchior, Birgit Nilsson, Louis (Lajos) Kentner, Jean Pougnet, Elsie Suddaby, Jascha Heifetz, Humby Beecham, London Philharmonic Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra, London Symphony Orchestra, Berliner Philharmoniker, BBC Symphony Orchestra, Orchestre National de la Radiodiffusion Francaise, Thomas Beecham

(Dank an cpo für die obige Auflistung, die wir hier mit Dank übernommen haben/G.H.)

 

Virginia Zeani

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Was für eine unverkennbare, leuchtende Stimme. Was für eine rollensprengende Persönlichkeit. Was für eine – die Zeit überdauernde – Wirkung bis heute, zwei Jahre nach ihrem Tode. Virginia Zeani! Die, die sich an ihre Bühnenauftritte in Italien und der Welt erinnern können, schwärmen von ihrer Schönheit, die sich auch für uns später Geborene auf den vielen, vielen Fotos immer noch festgehalten sieht. Das Decolleté der Violetta, die weitgeöffneten Augen der Fedora, die strenge Schönheit der Madame Lidoine. Virginia Zeani gehört in jede Sammlung des Belcanto und des engagierten Gesangs neben der Callas und der Scotto. Und dem Himmel sei Dank ist sie reichlich dokumentiert, nicht auf vielen offiziellen Aufnahmen aber doch auf sehr vielen Live-Mitschnitten, die den hohen Standard dieser einmaligen Stimme festhalten.

Die rumänische Opernsängerin Virginia Zeani (21. Oktober 1925 in Solovăstru, Siebenbürgen –  20. März 2023 West Palm Beach, Florida) wurde als Virginia Zehan in Solovastru geboren und studierte Literatur und Philosophie an der Universität von Bukarest, während sie ihre Stimme bei Lucia Anghel und Lydia Lipkowska ausbildete. Nach ihrem Umzug nach Italien erhielt sie Gesangsunterricht bei Aureliano Pertile. Ihr frühes Debüt gab sie 1948 als Violetta (!) am Teatro Duse Bologna, was sich als Triumph für die junge Sängerin erwies. Die Violetta wurde zu der Rolle, mit der sie eng verbunden war und die sie im Laufe ihrer Karriere Hunderte von Malen sang!

Virginia Zeani mit Gatten, dem Bassisten Nicolà Rossi-Lemeni/ Wikipedia

Diese Rolle, die sie insgesamt 648 Mal sang, führte sie an die größten Theater der Welt, darunter das Palais Garnier in Paris, das Royal Opera House in London und das Metropolitan Opera House in New York. Mit einem Repertoire, das von der Barockoper bis zu zeitgenössischen Werken reicht, wurde sie 1957 von Francis Poulenc für die Rolle der Blanche de la Force in der Uraufführung der Dialogues des  Carmelites an der Scala ausgewählt.

Mehr als zehn Jahre lang widmete sie sich den Rollen, die man allgemein als Koloraturen“ bezeichnet, und sang Lucia, Elvira, Amina und Gilda. Bald kamen Norina, Rosina und Fiorilla (unter anderem) hinzu. 1956 gab sie ihr Debüt als Cleopatra in Händels Giulio Cesare an der Scala. Bei der Premiere von Poulencs Dialogues des Carmélites sang sie die Rolle der Blanche. Ihre hervorragende Technik ermöglichte es ihr, die vier Rollen (Olympia, Giulietta, Antonia, Siebel) in Offenbachs Les Contes d’Hoffmann mit Bravour zu singen. Später nahm die Künstlerin weitere lyrisch-dramatische Rollen in ihr Repertoire auf: Aida, Desdemona, Tosca, Magda Sorel in Menottis Consul, Fedora, Cio-Cio-San, Manon Lescaut, Elsa und Senta in Italienisch, Adriana Lecouvreur, Thaïs, Marguerite usw. Als innovative Künstlerin nahm sie an vielen Wiederaufnahmen von Belcanto-Opern teil (z. B. Maria di Rohan, Le Comte Ory, Zelmira, Rossinis Otello, Alzira).  Zeani sang am Bolschoi-Theater in Barcelona, in der Arena di Verona, in Monte Carlo, Paris, St. Petersburg, Mexiko-Stadt, Belgrad, Houston, Budapest, Philadelphia, an der Met und in Wien (Volksoper und Staatsoper). Sie trat mehrmals in Dublin auf und ist dort noch immer in bester Erinnerung.

Ihr nordamerikanisches Debüt gab sie 1965 in Montréal, wiederum in der Rolle der Violetta. Nachdem sie fast 15 Jahre lang leichte Sopranpartien gesungen hatte, wurde sie von Zubin Mehta überredet, ihr Repertoire zu erweitern und schwerere Rollen wie Aida zu singen, die sie erstmals im Salle Wilfrid-Pelletier an der Seite von Jon Vickers, Lili Chookasian, Louis Quilico und Joseph Rouleau sang. 1968 kehrte sie für eine Produktion von Puccinis Manon Lescaut nach Montréal zurück. In ihrer außergewöhnlich langen Karriere, die insgesamt 34 Jahre dauerte, stand sie mit einigen der größten Stars des 20. Jahrhunderts auf der Bühne, von Beniamino Gigli, Giuseppe di Stefano und Franco Corelli bis Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti und Plácido Domingo.

Virginia Zeani als Aida/ Zeani.com

1982 gab sie ihr weiteres Debüt an der San Francisco Opera in den Carmelites, diesmal als Mutter Marie. Sie und ihr Ehemann, der Bass Nicola Rossi Lemeni, erhielten anschließend einen Lehrauftrag an der Jacobs School of Music der Indiana University, wo sie 1994 den Titel „Distinguished Professor of Music“ erhielt. Zu ihren zahlreichen Schülern gehören Ailyn Perez, Elizabeth Futral, Marilyn Mims und Vivica Genaux.

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Virginia Zeani fiel sofort durch ihre seltene Fähigkeit auf, ihrer Musik einen präzisen Sinn zu geben, indem sie jene seltene Synthese von Belcanto und Ausdruck erreichte, die ihre Interpretationen sowohl für ihre dramatische Sensibilität und Intimität als auch für ihren strahlenden Gesang lobte. Unter all dem hatte Zeanis Timbre jedoch etwas, das direkt ins Herz ging: eine Aura verschleierter Melancholie, eine edel kontrollierte Leidenschaft, die sich vorzüglich mit der betörenden Farbe ihrer Stimme verband, die in der Mitte düster und in der Höhe strahlend war. Es war eine Stimme von faszinierender Weiblichkeit, die sowohl Zärtlichkeit als auch Sinnlichkeit, Elegie und Tragödie auszudrücken vermochte. G. H.

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In einem Interview mit dem kürzlich verstorbenen kanadischen Kritiker und Musikwissenschaftler Gérald Dubois sprach sie 2021 in ihrem Wohnsitz in Florida über Einzelaspekte ihrer Karriere: 

Zum Beginn: Ich verließ Rumänien 1947, ich war 21, ich ging im Februar und mein Geburtstag ist im Oktober, also war ich genau 21 Jahre und 4 Monate alt. Hier habe ich sehr viel studiert, aber in Rumänien hatte ich keine Karriere. Ich hatte ein Konzert in der Dalles Hall, mit den anderen Schülern meiner Gesangslehrerin, Lydia Lipkowska, und das war alles, ich hatte keine Karriere. Mein erstes offizielles Konzert war vielleicht, als ich für den italienischen Konsul und Botschafter sang, die mich zu einem Abendessen eingeladen hatten. Aber ich hatte schon viel gelernt, als ich wegging, seit ich 12 war. 12 und ein halbes Jahr alt, um genau zu sein. Im Jahr ’38!

Ich hatte ein sehr seltsames Schicksal. Ich habe sehr jung angefangen, ich habe sehr hart studiert und ich habe nie etwas mehr geliebt als das Singen. Ich glaube, das ist etwas, das einem in die Wiege gelegt werden muss. Man weiß nie, was als Nächstes passiert, aber irgendetwas oder irgendjemand führt dich zu dem, was du liebst, aber nicht unbedingt verstehst, und das gibt dir die Kraft, Zeit und Energie zu investieren, um zu entdecken, was deine Berufung im Leben ist. Die Tatsache, dass man diesen Ehrgeiz hat, etwas zu lernen, ist ein Mysterium, aber gleichzeitig ist es eine Freude, etwas zu verfolgen, das man liebt und das letztendlich nicht wirklich erreichbar ist. Wie kann man Musik „erreichen“?

Ich habe schon als Kind gerne gesungen und alle Vögel und alles, was ich im Garten hörte, imitiert. Ich habe mit 13 Jahren angefangen, und man hielt mich für einen Mezzosopran, dann für einen lyrischen Sopran, dann für einen lyrischen mit Koloraturen. Das Ziel meines Wunsches war immer ein Geheimnis, aber die Anziehungskraft, die ich auf den Gesang ausübte, brachte mich dazu, diesem Wunsch jeden Tag nachzugehen. Ich wusste, dass es mein Schicksal war, zu singen.

Ratschlag zur Langlebigkeit der Stimme: Ich denke, das wichtigste ist, es von Tag zu Tag zu nehmen und nicht zu übertreiben. Danach muss man mit dem Talent, das man an dem Punkt hat, an dem man sich befindet, sein Bestes geben. Man kann nicht entscheiden, was man sein wird, bevor man dort ankommt, wenn man noch jung ist und sich ständig verändert. Selbst nach all den Jahren des Trainings wird sich deine Stimme verändern, und du musst die Geduld haben, dein wunderbares Naturtalent nicht durch zu schnelles Handeln zu ruinieren. Langsam und beständig gewinnt das Rennen.

Was man jedoch tun kann, ist, dass Sie, wenn Sie am Ziel sind, darauf vorbereitet sind, jede Herausforderung zu meistern, die sich Ihnen stellt. Ich glaube, das gefährlichste Verhalten, das ich bei jungen Sängern immer noch sehe, ist, dass sie keine Geduld zum Lernen haben. Sie machen sehr schnell das nach, was sie auf der Bühne oder auf Aufnahmen hören, und sie verändern die Farbe ihres Klangs, anstatt mit Ruhe und Geduld zu lernen.

Virginia Zeani mit Francis Poulenc bei den Proben zu den „Dialogues des Carmelites“ an der Scala 1957 / Archivio storico del Teatro alla Scala

Regie gestern und heute: Der größte Unterschied auf den Bühnen heute im Gegensatz zu früher ist die Frage der Regie. Heutzutage ändern einige Regisseure alles: Sie lassen die Opern nicht so erzählen, wie die Komponisten sie wollten. Sie versuchen, das Thema zu modernisieren, was für mich absurd ist, weil ich denke, dass die Oper mit dem Komponisten, der Zeit, in der sie komponiert wurde, und dem Moment der Geschichte, der in dieser speziellen Geschichte eingefangen wurde, verbunden ist. Zu meiner Zeit waren wir diejenigen, die die Inszenierungen, in denen wir auftraten, meistens selbst inszenierten. Es war wirklich eine Teamleistung zwischen den Sängern, dem Dirigenten, dem Regisseur und der Arbeit, die uns aufgetragen wurde. Wir arbeiteten Hand in Hand, um herauszufinden, was der Komponist mit der Musik ausdrücken wollte, und nicht, um einen Weg zu finden, diese Meisterwerke „aufregend“ zu machen: Das sind sie schon, auf so viele Arten.

Die Stimme: Zunächst einmal bleibt das Instrument gleich, nichts ändert sich außer den Farben, je nach Gemütsverfassung der Figur. Das Geheimnis ist, die Richtung der Phrasierung und die Fragen der Oper zu finden. Wenn man die Werke von Poulenc nimmt, die ich gesungen habe, die Dialoge oder auch La voix humaine, die stilistisch nicht dem Belcanto nahe stehen, musste ich die sehr modernen Konzepte verstehen und sie dem Publikum mit einem guten Klang und einer großartigen Diktion erklären, um genau das auszudrücken, was der Komponist in seiner Partitur sagt, wie ich es bei jeder Oper tun würde.

Mit dem Publikum leben: Das Ziel bei jeder Art von Musik ist es, zu kommunizieren, zu teilen, und der Ansatz sollte für alle Arten von Repertoire derselbe sein. Man muss nach der Phrasierung suchen, die die Botschaft der Oper vermitteln soll. Man kann nicht die gleichen Farben für die Rolle der Alissa oder der Blanche verwenden, weil die Phrasen und die Komponisten unterschiedlich sind. Wenn man denkt, dass man einer neuen Rolle etwas geben kann, sollte man das unbedingt tun. Wie aufregend ist es für ein Publikum, jemanden zu hören und zu sehen, der etwas tut, was es noch nie zuvor gehört oder gesehen hat? Neue Geschichten zu haben, ist sehr wichtig.

Es geht darum, dem Publikum jedes schöne Gefühl zu erklären, das man in seinem Herzen hat. Ich mochte es nie, in meinem Gesang aggressiv zu sein, besonders im Belcanto-Repertoire. Ich mochte es immer, jedes Gefühl durch meine Augen und meine Stimme mit Schönheit, Ruhe und Leidenschaft zu vermitteln. Man muss sich mit dem Publikum austauschen, und wenn es die Gefühle, die man hat, versteht und mit ihnen übereinstimmt, bedeutet das, dass man in einer totalen Einheit und einem Austausch von Gefühlen ist. Aber jeder ist anders geboren, und man wird nie jemanden finden, der genau so ist wie man selbst oder der die Dinge genauso empfindet wie man selbst.

Virginia Zeani mit Alfredo Kraus in „La Traviata“ in Lissabon/ Romania.Muzical

Deshalb müssen wir unsere Gefühle zum Ausdruck bringen, indem wir dem Komponisten und dem Librettisten, aber vor allem uns selbst, unserem Hintergrund und unserem Geist treu bleiben. Das ist der Grund, warum manche Leute eine Interpretation einer anderen vorziehen, wir können Schönheit auf eine bestimmte Art und Weise empfinden, die jemand anderes nicht versteht, aber wenn wir das tun, kommen wir einander sehr nahe, und das ist eine der schönsten Sachen: unsere Seelen durch Musik zu vereinen.

Belcanto:  Vom technischen Standpunkt aus betrachtet, nenne ich mein System des Singens folgendermaßen: Auf Italienisch sagen wir „raccogliere i suoni“. Das bedeutet, dass man die Schwingungen, die „Töne“, in einem Punkt, der Maske, versammeln muss, der es der Stimme erlaubt, so viel wie möglich mit so wenig Anstrengung wie möglich zu glänzen, und dass man diese Schwingungen mit dem Zwerchfell unterstützen muss. Wenn man diese Schwingungen in diesem Punkt bündelt, wird man nie müde, im Gegensatz zu breitem, offenem oder lautem Singen, wie man es heute leider oft hört. Dann muss man mit diesen Klängen Emotionen vermitteln, ihnen Farbe geben und die Intention des Komponisten finden. Darüber hinaus muss jede Stimme alles können, vom Koloratursingen bis zum Vibrieren der Töne in Millionen von Farben, und man muss einen Weg finden, dies mit Leichtigkeit zu tun, sonst ermüdet man sich selbst enorm. Der Trick besteht darin, herauszufinden, was man wirklich gut kann, und es zu seinem Vorteil zu nutzen, während man an dem arbeitet, was verbessert werden muss. Belcanto ist letztendlich ein Weg, um jede einzelne Person in der Oper zu einem echten Star zu machen. (Dank an  Gérald Dubois; Foto oben: Virginia Zeani mit Dank an Karl-Friedrich Trieselmann) 

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Charles Mackerras

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Mit Werken von: Tomaso Albinoni (1671-1751) Albert Arlen (1905-1993) Thomas Arne (1710-1778) Bela Bartok (1881-1945) Ludwig van Beethoven (1770-1827) Alban Berg (1885-1935) Hector Berlioz (1803-1869) Ronald Binge (1910-1979) Alexander Borodin (1833-1887) William Boyce (1711-1779) Johannes Brahms (1833-1897) Havergal Brian (1876-1972) und weitere

Mitwirkende: Elizabeth HarwoodJanet BakerPaul EsswoodRobert TearBarbara FrittoliIan BostridgeLorraine Hunt LiebersonLisa MilneAnthony Rolfe JohnsonDella JonesBryn TerfelMontserrat Caballe und weitere; 63 CDs 

Ludwig van Beethoven: Symphonien Nr. 1-9; Violinkonzert op. 61
+Wolfgang Amadeus Mozart: Idomeneo, Re di Creta KV 366; Symphonien Nr. 36, 38, 40, 41; Klavierkonzerte Nr. 20 & 23; Sinfonia concertante Es-Dur KV 297b; Flötenkonzert Nr. 1 KV 313; Les Petites Riens KV Anh. 10; Divertimento KV 113; 6 Deutsche Tänze KV 600; 2 Märsche KV 408; 2 Menuette KV 604; Konzertarie KV 528; Arien aus Cosi fan tutte, Don Giovanni, Idomeneo, Le Nozze di Figaro
+Georg Friedrich Händel: Der Messias HWV 56; Concerti grossi op. 3 Nr. 1-6; Concerti grossi HWV 335a & 335b; Feuerwerksmusik HWV 351 (in zwei Einspielungen); Wassermusik-Suiten HWV 348-350; Concerto a due cori Nr. 2 HWV 333; Concerto a due cori F-Dur nach HWV 333 & 334; Trompetenkonzert HWV 367a; Berenice-Ouvertüre HWV 38; Wassermusik-Suite (arr. Hamilton Harty)
+Gustav Mahler: Symphonien Nr. 1 & 5; Lieder aus Des Knaben Wunderhorn
+Franz Schubert: Symphonien Nr. 5, 8, 9 (Nr. 8 in der 4-sätzigen Fassung von Brian Newbould); Ballettmusik Nr. 2 aus Rosamunde D. 797
+Hector Berlioz: Le Carnaval romain op. 9; La Damnation de Faust op. 24; Marche troyenne aus Les Troyens
+Antonin Dvorak: Symphonien Nr. 7-9; Symphonische Variationen op. 78; Streicherserenade op. 22; Legenden op. 59; Nocturne op. 40; Romanze op. 11 für Violine & Orchester; Slawische Tänze op. 46 Nr. 1-3; op. 72 Nr. 2
+Edward Elgar: Falstaff op. 68; Romanze op. 62 für Cello & Orchester; Enigma-Variations op. 36
+Gustav Holst: The Perfect Fool-Ballettmusik; The Planets op. 32
+Leos Janacek: Capriccio für Klavier linke Hand & Kammerensemble; Concertino für Klavier & Kammerensemble; Aus einem Totenhaus-Ouvertüre; Jealousy-Ouvertüre; Kata Kabanova-Ouvertüre; Die Sache Makropulos-Ouvertüre; Sinfonietta
+Felix Mendelssohn: Symphonie Nr. 4; Violinkonzert op. 64; Ein Sommernachtstraum (Ouvertüre op. 21 & Bühnenmusik op. 61
+Modest Mussorgsky: Eine Nacht auf dem kahlen Berge (in zwei Einspielungen); Bilder einer Ausstellung; Gopak aus Sorochinsky Fair
+Sergej Rachmaninoff: Symphonie Nr. 3; Symphonische Tänze op. 45
+Richard Strauss: Don Juan op. 20; Till Eulenspiegel op. 28
+Igor Strawinsky: Le Sacre du Printemps; Feu d’artifice op. 4; Zirkuspolka für einen jungen Elefanten
+Peter Tschaikowsky: Klavierkonzert Nr. 3; 1812-Ouvertüre op. 49; Walzer aus Eugen Onegin, Nussknacker-Suite, Dornröschen, Schwanensee, Symphonie Nr. 5
+Havergal Brian: Symphonien Nr. 7 & 31; The Tinker’s Wedding-Overture
+Eric Coates: By the Sleepy Lagoon; Oxford Street March aus London again-Suite; At the Dance aus Summer Days-Suite; The Merrymakers-Overture; The three Bears-Suite; Queen Elizabeth II March aus The three Elizabeths-Suite; The Man from the Sea aus The three Men-Suite
Leo Delibes: Coppelia-Suite; Ballettmusik aus La Source; Ballettmusik aus Lakme; Sylvia-Ballettsuite
+William Walton: Symphonien Nr. 1 & 2; Siesta
+Arthur Sullivan: Cellokonzert D-Dur; Iolanthe-Ouvertüre; The Mikado-Ouvertüre; Ruddigore-Ouvertüre; The Yeomen of the Guard-Ouvertüre
+Arthur Sullivan / Charles Mackerras: Pineapple-Poll-Ballettmusik (in zwei Einspielungen); Pineapple Poll-Ballettsui
+Frederick Delius: Cellokonzert; Konzert für Violine, Cello, Orchester; Paris – The Song of a Great City
+Aaron Copland: El Salon Mexico-Ballettmusik; The Quiet City; Hoe down aus Rodeo
+Tomaso Albinoni: Trompetenkonzerte op. 7 Nr. 3 & 6
+Emmanuel Chabrier: Espana; Fete polonaise aus Le Roi malgre lui
+Richard Wagner: Götterdämmerung (Auszüge); Lohengrin-Vorspiel (3. Akt)
+Giuseppe Verdi: Alzira-Ouvertüre; La Forza del Destino-Ouvertüre; Luisa Miller-Ouvertüre; Nabucco-Ouvertüre; Otello-Ballettmusik; Il Trovatore-Ballettmusik; I Vespri siciliani-Ballettmusik
+Giuseppe Verdi / Charles Mackerras: The Lady and the Fool-Ballettmusik; The Lady and the Fool-Ballettsuite
+Giacomo Puccini: Arien aus La Boheme, Gianni Schicchi, Madama Butterfly, La Rondine, Tosca, Turandot, Le Villi (Montserrat Caballe)
+Ermanno Wolf-Ferrari: I Gioielli della Madonna-Suite; Ouvertüre & Intermezzo aus I Quattro rusteghi; Il Segreto di Susanna-Ouvertüre
+Carl Maria von Weber: Konzertstück op. 79 für Klavier & Orchester
+Jaromir Weinberger: Polka & Fuge aus Schwanda, der Dudelsackpfeifer
+Dag Wiren: Scherzo & Marsch aus Serenade op. 11
+Alban Berg: Frühe Lieder Nr. 1-3
+Bela Bartok: Rumänische Volkstänze
+Alexander Borodin: Ouvertüre & Polowetzer Tänze aus Fürst Igor
+Johannes Brahms: Ungarische Tänze WoO 1 Nr. 5 & 6
+Paul Burkhard: Der Schuss von der Kanzel-Ouvertüre
+Frederic Chopin: Les Sylphides-Ballettmusik
+Gaetano Donizetti: Don Pasquale-Ouvertüre; La Fille du Regiment-Ouvertüre
+George Enescu: Rumänische Rhapsodie Nr. 1
+Manuel de Falla: Der Dreispitz-Ballettmusik
+Alexander Glasunow: Konzertwalzer Nr. 1
+Reinhold Gliere: Russian Sailor’s Dance aus The Red Poppy
+Michael Glinka: Ruslan & Ludmilla-Ouvertüre (in zwei Einspielungen)
+Charles Gounod: Faust-Ballettmusik (in zwei Einspielungen)
+Victor Herbert: Cellokonzert Nr. 2
+Johann Wilhlem Hertel: Trompetenkonzert Nr. 1
+Mikhail Ippolitov-Ivanov: Procession of the Sardar aus Kaukasische Skizzen op. 10
+Henry Litolff: Scherzo aus Concerto symphonique Nr. 4
+Andre Messager: Les Deux Pigeons-Ballettsuite
+Giacomo Meyerbeer: Les Patineurs-Ballettsuite
+Jacques Offenbach: La Gaite parisienne-Ballettmusik
+Amilcare Ponchielli: Tanz der Stunden aus La Gioconda
+Max Reger: An die Hoffnung op. 124
+Emil von Reznicek: Donna Diana-Ouvertüre
+Nikolai Rimsky-Korssakoff: Dance of the Tumblers aus The Snow Maiden; Hummelflug aus Tsar Saltan
+Gioacchino Rossini: Willhem Tell-Ballettmusik
+Camille Saint-Saens: Wedding Cake op. 76
+Bedrich Smetana: Ouvertüre & Polka furiant aus Die verkaufte Braut
+Johann Strauss II: Perpetuum mobile; Tritsch-Tratsch-Polka; Unter Donner und Blitz
+Johann Strauss II / Antal Dorati: Graduation Ball-Ballettmusik
+Georg Philipp Telemann: Konzert D-Dur TWV 53: D2 für 2 Oboen, Trompete, Streicher
+Joaquin Turina: Rapsodia sinfonica op. 66
+Jeremiah Clarke: Trumpet Voluntary „Prince of Denmark’s March“
+Gordon Jacob: Fanfare for „God save the King“
+God save the King
+“Montserrat Caballe & Bernabe Marti – Great Opera Duets“ – Duette aus Opern von Gaetano Donizetti, Umberto Giordano, Giacomo Meyerbeer, Giacomo Puccini, Giuseppe Verdi
+“The Elisabeth Schwarzkopf Christmas Album“ – Stille Nacht; Weihnachten (Humperdinck), Vom Himmel hoch; The first Nowell; I saw three Ships; Panis angelicus (Franck); In einem kühlen Grunde (Gluck); Maria auf dem Berge; O come all ye faithfull; O du fröhliche; In dulci jubilo; Sandmännchen (Brahms)
+“Richard Lewis – Folk Songs of the British Isles“ – Bingo; All through the Night; The Briery Bush; Buy broom buzzems; Dafydd y garreg wen; Fine Flow’rs in the Valley; The Foggy, Foggy Dew; Grand geal mo chridh; The Helston Furry DanceI will give my love an apple; King Arthur’s Servants; Leezie Lindsay; O Love, it is a killing Thing; O Waly, Waly; She moved thro‘ the Fair; The shuttering Lovers; There’s non to soothe
+“Peter Dawson sings“ – Albert Arlen: Clancy of the Overflow / Walter Hedgecock: Mandalay Scena
+“Owen Brannighan – A Little Nonsense“ – Werke von Ronald Binge, j. Michael Diack, Liza Lehmann, Victor Hely-Hutchinson; Traditionals
+“Owen Brannighan & Elizabeth Harwood – Sing the Songs of Britain“ – Werke von William Boyce, Thomas Arne, John Davy, Charles Edward Horn, Thomas Morley, Richard Stevens; Traditionals

Künstler: Elizabeth Harwood, Janet Baker, Paul Esswood, Robert Tear, Barbara Frittoli, Ian Bostridge, Lorraine Hunt Lieberson, Lisa Milne, Anthony Rolfe Johnson, Della Jones, Bryn Terfel, Montserrat Caballe, Rita Hunter, Ann Murray, Thomas Allen, Christa Ludwig, Richard Lewis, Peter Dawson, Owen Brannigan, Maurice Andre, Allan Schiller, Jonathan Snowden, Monica Huggett, Bernabe Marti, Joseph Cooper, Stephanie Gonley, Mikhail Rudy, Julian Lloyd Webber, Tasmin Little, Raphael Wallfisch, English Chamber Orchestra, London Philharmonic Orchestra, London Symphony Orchestra, New Philharmonia Orchestra, Orchestra of the Age of Enlightenment, Orchestra of the Royal Opera House Covent Garden, Orchestre de l’Opera National de Paris, Philharmonia Orchestra, Prague Chamber Orchestra, Pro Arte Orchestra, Robert Masters Chamber Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Sadler’s Wells Orchestra, Scottish Chamber Orchestra, Charles Mackerras/ Warner 1951-2001, 63 CDs/ Quelle jpc

Von Kanzonen und Kantilenen

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Donizetti Songs Vol. 5 & 6. Die ambitionierte, auf acht CDs konzipierte Edition der Donizetti-Songs von OPERA RARA ist nun bei Vol. 5 & 6 angelangt (ORR 258, 2 CDs). Beide Ausgaben bestreitet die armenische Sopranistin Ermonela Jaho. Wieder begleitet am Flügel der Artistic Director des Labels, Carlo Rizzi, als bewährter Mitstreiter bei dem Unternehmen mit sensiblem Einfühlungsvermögen. Die Paradepartien der Sängerin sind die Violetta und Cio-Cio-San, doch zeigte sie im März dieses Jahres an der Staatsoper Hamburg in der Titelpartie von Donizettis Maria Stuarda auch ihre Affinität und Kompetenz für das Belcanto-Repertoire. Nun hat sie Gelegenheit, auf zwei CDs mit italienischen und französischen Liedern des Komponisten aus Bergamo ihren Hamburger Erfolg zu bestätigen.

Die Stimme der Sängerin ist reizvoll und persönlich timbriert, vermag mit einer Fülle von Farben und Nuancen den Liedern individuelle Konturen zu verleihen. Ein Markenzeichen der Sopranistin ist die gestalterische Intensität, welche ihre Bühnenfiguren zu prallem Leben erweckt. Auch die Lieder, obwohl zumeist kurz, erzählen Geschichten und Schicksale, sind quasi Opern en miniature. Daher fordern sie vom Interpreten oder von der Interpretin ein reiches Ausdrucksspektrum.

Die erste Platte offeriert 18 italienische Lieder, beginnend mit „La ninna-nonna“ auf einen Text von Achille de Lauzières und entstanden in den 1830er Jahren, als der Komponist nach Paris ging. Mit behutsamen, sanften Tönen beginnt Jaho dieses Wiegenlied und steigert es später zu emphatischer Innigkeit. Der folgende Titel, „Quando il mio ben“, auf Worte eines unbekannten Dichters wurde in einem Kloster nahe Linz entdeckt und wechselt zwischen Beklommenheit und Leidenschaft. Von dort stammt auch ein weiterer Fund: „Dell´anno novello“ von einem unbekannten Autor. Ein anderes Stück auf den Text von de Lauzières, „Il pescatore“, ähnelt in seinem melodramatischen Gestus Schuberts „Erlkönig“, auch weil es als Dialog zwischen Fischer und Loreley komponiert ist. Spannend und differenziert breitet die Sängerin die dramatische Handlung aus und imponiert mit leuchtenden hohen Tönen. Mit Felice Romani als Textautor von „L´amor mio“ taucht ein Name auf, der als Librettist vieler Opern Rossinis, Bellinis und Donizettis bekannt wurde.

Donizetti Songs bei Opera Rara: Roger Parker/ Foto Russell Duncan

Das Lied in seinem erregten Duktus weist dann auch opernhafte Züge auf. Auch der berühmte Pietro Metastasio findet sich in der Anthologie mit „Che non mi disse un dì“ in zwei Varianten und „La tradita“. Als Finalarie einer Oper könnte man sich „Giovanna Gray – Io morrò!“ vorstellen und Jaho interpretiert sie auch mit gebührend dramatischem Impetus.  Eine canzone napoletana ist „La trademiemento“, geschrieben in neapolitanischem Dialekt von einem unbekannten Dichter und komponiert in tänzerischem Schwung. Zu dieser Gattung zählt auch „La connocchia“ auf Worte von Giovanni Emanuele Bidera. Das ist eine von Donizettis populärsten Liedkompositionen, temperamentvoll im Rhythmus und dem berühmten Bass Luigi Lablache gewidmet. In ihrem fließenden Melos erinnert die Romanze „Non m´ami più“ an Bellini, gewidmet ist sie dem polnischen Tenor Józef Michal Poniatowski, der in seiner kurzen Gesangskarriere in mehreren Donizetti-Partien auftrat. Und der letzte Titel, „Lamento per la morte di Bellini“ erinnert sogar an den großen Rivalen Donizettis, der 1835 mit nur 33 Jahren in Paris gestorben war. In dieser Trauer-Ode mit dem Text von Andrea Maffei, komponiert im Januar 1836, nimmt Donizetti mit lyrischer Noblesse und ausgedehnter Gesangslinie den Stil des Verstorbenen auf.

 

Donizetti Songs bei Opera Rara: Ermonela Jaho/ Foto Russell Duncan

Die zweite Platte bringt 19 französische Lieder zu Gehör, die fast alle während der letzten sieben Jahre von Donizettis Schaffensperiode entstanden. Sie beginnt mit „La Mère et

l´enfant“ auf den Text von Auguste Richomme, einer dramatischen Szene als anspruchsvolle Komposition, welche der Interpretin emphatische Aufschwünge abverlangt. Später folgt von diesem Dichter noch „Au pied d´une croix“, das von einer Frau erzählt, die von ihrer Mutter verflucht wurde und ihr Kind verliert. Trauer und Wehmut bestimmen das Stück, das die lyrische Substanz von Jahos Sopran ins beste Licht rückt. „Au tic-tac des castagnettes“ von einem unbekannten Dichter stammt aus den 1820er Jahren, also der frühen Schaffensperiode des Komponisten. Es ist eine heitere Komposition in lebhaftem Rhythmus, die Jaho mit einer gehörigen Portion Humor serviert. „Depuis qu´une autre a su te plaire“ ist dagegen Donizettis letzten aktiven Jahren zuzuordnen – eine melancholische Romanze, die mit emotionaler Intensität erklingt. Das munter-beschwingte „J´attends toujours“ folgt als stimmiger Kontrast. „La Jeune Malade“ auf Worte von Pierre Grolier ist ein Lamento von beklommenem Ausdruck, der sich bis zur Verzweiflung steigert. Auch hier folgt mit „La Chanson de l´abeille“ ein lebhafter Gegensatz. An seine Linda di Chamounix von 1842 erinnert „La Savoyarde“ in der munteren Melodik. „Le Bal masquè“ auf den Text von Paul Lacroix, den der Komponist sehr schätzte, ist eines seiner späten Zeugnisse, fängt im Rhythmus atmosphärisch die Stimmung in einem Ballsaal ein. Ebenfalls von Lacroix stammt „Les Revenans“, welches dem „Maskenball“ sehr ähnelt. Mit der Romanze „Il serait là“ auf Worte eines unbekannten Dichters endet die Sammlung eindrucksvoll und zeigt noch einmal das reiche gestalterische Vermögen  der Sängerin. Bernd Hoppe

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Mit acht CDs ist das neue Projekt von Opera Rara, DonizettiSongs, groß angelegt. Die ersten beiden Alben (ORR254&255) sind bereits erschienen, jeweils mit Carlo Rizzi, dem Artistic Director des Labels, am Flügel. Den Reigen eröffnete der im Donizetti-Repertoire namhafte Tenor Lawrence Brownlee, der auch bei dieser Auswahl seinen vitalen Gesang, seine gestalterische Emphase und die strahlende Höhe wirkungsvoll einsetzen kann. Im ersten Lied, „L´amante spagnuolo“, einer schwungvollen Tarantella, die vor allem in der Mittellage notiert ist, kann sich tenoraler Glanz in der exponierten Lage freilich noch nicht entfalten. Das ändert sich schon im nächsten Lied „Con le grazie“ und im folgenden. „Il donativo“, einem schwärmerischen Stück, das Brownlee perfekt in der Kehle liegt.

Donizettis Lieder, von denen es an die 200 gibt, können schwärmerische Kanzonen sein oder melancholische Kantilenen. Nicht selten vernimmt man die stürmische Verve einer Cabaletta oder den vehementen Rhythmus einer Stretta. Mehrfach erkennt man aus Donizettis Opern bekannte Motive, wie „Il sogno“, das Edgardos letzte Kavatine aus der Lucia zitiert. Viele Kompositionen entstanden auf Texte unbekannter Dichter, wie das populäre, übermütige „Amor marinaro“, einige Vorlagen stammen aus der Feder des berühmten Pietro Metastasio, wie „Trova un sol, mia bella Clori“, das sogar in zwei Versionen existiert, oder des von Bellini- und Verdi-Opern bekannten Librettisten Felice Romani. Dessen „Ella riposa“ ist mit Rezitativ, Cavatina und Cabaletta wie eine Opernszene angelegt und war dem polnischen Tenor Józef Michal Poniatowski gewidmet. Melodisch reizvoll sind die melancholische  Barcaruole „Sovra il remo“ und die Canzonetta „Or che la notte invita“ mit obligater Klarinette. Der Instrumentalist Jernej Albreht vereint sich hier mit dem Sänger zu einem innigen Duett. In doppelter Version existiert auch „Quando verrà sul colle“, wobei die zweite Fassung in ihrer elegischen, dem Konkurrenten Bellini verwandten Melodie opernnäher scheint, war sie doch dem legendären Tenor Giovanni Battista Rubini gewidmet. Brownlee kann hier seine glanzvollen Spitzentöne demonstrieren, welche dem berühmten Vorbild alle Ehre machen. Im nächsten Stück, „Il sospiro“, ist dagegen die tiefe Lage gefordert und auch hier zeigt sich der Sänger souverän. Die Sammlung der 28 Lieder endet mit der frühen  Komposition „Non giova il sospirar“, welche in ihren Ornamenten noch ganz den Einfluss Rossinis zeigt, aber auch schon Donizettis Energie aufweist, und die Platte heiter enden lässt.

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Giovanni Battista Rubini, Gaetano Donizetti, and Luigi Lablache, from the book The World of fashion and continental feuilletons, 1824. Internet Archive

Die zweite Ausgabe vereint 26 Lieder in der Interpretation des italienischen Baritons Nicola Alaimo, der seine Karriere beim Rossini Festival in Pesaro startete und dort beispielsweise Erfolge als Titelheld in Guillaume Tell feierte. Als Auftakt erklingt das heroische „La partenza del criocato“, dessen erste Zeile „Al campo della gloria“ bereits den Inhalt verrät. Donizetti übernahm die Melodie aus dem Duett Belisario/Alamiro seiner 1836 im Teatro La Fenice uraufgeführten Oper. Alaimo singt hier mit energischer Verve, um im nächsten Stück, „Ov´è la voce magica“, mit lyrischer Kantilene aufzuwarten.

In der Anthologie finden sich auch vier französische Kompositionen und eine deutsche. Letztere, „Auf dem Meere“ auf Worte eines unbekannten Dichters, stammt aus der Sammlung Das singende Deutschland. „J´aime trop pour être heureux“ in schmerzlichem Duktus wird von einer Soloviola (Abigail Fenna) begleitet. Die Stimme des Baritons ist keine noble, klingt eher robust und aufgeraut. Dadurch fehlen Liedern wie „Te dire adieu“ und „“L´amor funesto“ (mit Herry Snell am Cello) lyrische Valeurs und Eleganz. In „O Cloe“ evoziert er mit ganz leichter Tongebung eine Figur aus einer Buffa. Bei „Non v´è nume“ gibt es mit Daniel de Fry an der Harfe noch einen weiteren Instrumentalisten. Die Komposition erweckt die Stimmung von Lucias Auftrittskavatine und Alaimo nimmt sich hier stimmlich sehr zurück, überrascht mit weichen, warmen Tönen. Davon profitiert auch „Le Dernier Chant du Troubadour“. Das energische „Il crociato“ lässt nicht vermuten, dass es der namhaften Sopranistin Laure Cinti-Damoreau gewidmet, eher dass das urige „Il trovatore in caricatura“ dem bekannten Bariton Giorgio Ronconi zugedacht war. Einem anderen Vertreter dieser Stimmgattung, dem Franzosen Paul Barroihet, war „Un baiser pour espoir“ zugeeignet, das zwischen introvertierten und lebhaften Passagen wechselt. Die Platte endet mit „Quando mio ben t´adoro“, das bis vor kurzem als verloren galt und in einem österreichischen Kloster wiedergefunden wurde. Die beiden CDs machen neugierig auf die Fortsetzung des Projektes.

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Opera Rara setzt ihre auf acht CDs konzipierte Ausgabe der Donizetti-Songs mit Volume 3 und 4 fort. Zwei prominente Sänger sind angetreten, um dem Liedschaffen des Komponisten aus Bergamo zu größerer Bekanntheit zu verhelfen. Vor allem Michael Spyres in Vol. 3 (ORR256) dürfte dazu beitragen, zählt er doch zu den gegenwärtig populärsten und kompetentesten Tenören im Belcanto-Fach und französischen Repertoire. Bei Opera Rara hat er bereits in mehreren Rossini- und Donizetti-Aufnahmen erfolgreich mitgewirkt. Der mittlerweile sogar im heldischen Wagner-Fach tätige Sänger überzeugt auch in diesem lyrischen Repertoire mit Phrasierungseleganz und feinen  legato-Bögen, mit reichem Farbspektrum und brillanten Spitzentönen, subtilen Text-Nuancen und messa di voce-Raffinement.

Zu hören sind 18 Kompositionen, fast alle in Französisch bis auf die überraschende Ausnahme in Track 8, wo ein Berglied in deutscher Sprache erklingt („Rings ruht die grüne Alpenhut“). Die Stücke stammen aus den dreißiger und vierziger Jahren des 19. Jahrhunderts während eines Paris-Aufenthaltes des Komponisten, sind somit seiner späten Schaffensphase zuzuordnen. Den Auftakt der Anthologie bildet Le Retour au désert, ein Lied voller Energie und Virtuosität. Die Begleitung des Klaviers im Bolero-Rhythmus imitiert galoppierende Hufe. Das nächste Lied, „Morte! et pourtant hier“, schildert als Trauer-Ode den Schmerz über den Verlust eines geliebten Menschen und verklärt diesen zu einem Engel. Das ausgedehnte Rondo „Ah! si tu voulais, toi que j´ aime“ existiert auch als italienische Version („Ah! se d´ amore un palpito), da sein Charakter aber eher einem französischen Salonstück nahe steht, entschied man sich für die französische Fassung. An Schuberts „Erlkönig“ erinnert La Dernière Nuit d´un Novice in ihrem Dialog zwischen Gott und Teufel. Donizetti schrieb das Stück für die Tenor-Legende Adolphe Nourrit. Ein seltenes Beispiel für die Verbindung von Oper und Lied ergibt sich mit Un Rêve de bonheur, dessen Klavierbegleitung unvollständig überliefert war und rekonstruiert werden konnte, da der Komponist das Motiv später im Eingangschor zum 2. Akt der Adelia wiederholte. Auch das elegische „Je ne me plaignis pas“ lässt an ein anderes Stück denken – Maries „Il faut partir“ aus der Fille du régiment, für die es die Vorlage bildete. In der letzten Liedgruppe finden sich einige bemerkenswerte Titel, zum einen solche, wo zum Klavier noch ein weiteres Instrument kommt, wie Le Violon de Crémone mit der Geigerin Eloisa-Fleur Thom und Le Petit Joueur de harpe mit der Harfenistin Sally Pryce oder die inbrünstige Kantilene „Si tu m´as fait à ton image“ auf den Text von Nourrit vor seinem Suizid. Spyres gelingt erine bewegende Interpretation mit schmerzlichen, verschatteten Klängen.                                                            Wieder ist Carlo Rizzi, Artistic Director des Labels, der umsichtige und inspirierende Begleiter am Flügel.

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Bei Vol. 4 (ORR257) mit der franco-kanadische Mezzosopranistin Marie-Nicole Lemieux gibt es dagegen einen Wechsel am Instrument. Hier kommt der italienische Pianist Giulio Zappa zum Einsatz, der damit sein Debüt bei Opera Rara gibt. Er ist spezialisiert auf das Belcanto-Repertoire und hat viele Jahre bei den Festivals in Pesaro und Bergamo gearbeitet. Die 21 Lieder, welche die Sängerin präsentiert, sind in italienischer und französischer Sprache komponiert. beginnend mit „Bei labbri che Amore formò“. Das ist eine Canzone von keckem Duktus, die  Mozarts Dorabella suggeriert und sie zeigt eine bedeutende Ausdrucksfacette der Sängerin, die diese noch in vielen anderen Kompositionen einbringen kann. Das folgende „Occhio nero incendiator“ zählt zu Donizettis populärsten Liedern und wurde von ihm später auch zu einer französischen Variante umgearbeitet.

Die Stimme der Solistin ist von schöner Fülle und seltenem dunklem Klang, von reizvoll herbem Timbre, das aber auch zu strengen Tönen in der Höhe mit bohrendem Klang ausufern kann.

Die Canzonetta „Del colle in sul pendio“ ist ein Beispiel für die frühe Periode des Komponisten (etwa 1821), das muntere „Sospiri, aneliti“ eines für die vielen verloren geglaubten Stücke aus seiner Feder. Es befand sich im Besitz einer Contessa von Medici in Rom, die es einem Kloster nahe Linz übergab. Mit La Folle de S. Hélène ergibt sich eine Verbindung zum Album mit Spyres, denn der Text stammt von Nourrit. Die berühmte Mezzosopranistin Rosina Stoltz sang das ausgedehnte, energische Stück 1838 in Neapel. Lemieux klingt hier streng vibrierend. Für das zärtliche „Ti sento, sospiri“ schrieb Metastasio die Verse, wie auch für das kantable „Se tu non vedi“. Von Rossinis Ornamentik beeinflusst sind „Quel nome se ascolto“ und „Ah! rammenta, o bella Irene“, zeigen aber auch das Bemühen Donizettis, sich gegen den großen Konkurrenten zu behaupten. Sehr delikat singt Lemieux La trovatella, die aus Donizettis letzten Schaffensjahren stammt. Einer engen Mailänder Freundin, Giuseppina Appiani, in deren Salon auch der junge Verdi verkehrte, ist „Che cangi tempra“ gewidmet.

Auch in diesem Album findet sich eine Komposition, in der neben dem Klavier ein weiteres begleitendes Instrument vorgeschrieben ist: La Novice mit Edward Batting am Harmonium. Die dramatische Szene, an einen Auftritt in der Oper erinnernd, fordert der Interpretin großen Einsatz ab, was nicht ohne Schärfen in der Höhe abgeht. Das charmante „Sull´ onda cheta e bruna“, das an venezianische Gondoliere denken lässt, ist dann wieder ein vokales Fest mit feinen Nuancen und reichen Zwischentönen. Fast an Couplets von Offenbach erinnern La Prière à S. Catherine und Les Lendemains, was Lemieux mit Koketterie und Humor vorträgt. Auch der letzte Titel, Pas d´autre amour que toi, ist von heiterem Duktus und lässt die Anthologie beschwingt ausklingen. Bernd Hoppe                                                                                             .

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Donizetti-Songs: Roger Parker & Carlo Rizzi (c) Russell Duncan

Der namhafte Musikwissenschaftler und Belcanto-Spezialist, zudem Herausgeber dieser Sammlung, Roger Parker schreibt in den Beiheften zu den ersten zwei CDs von Opera Rara sehr ausführlich über die Zielsetzung des Projektes. Eines der ehrgeizigsten Projekte in der 50-jährigen Geschichte von Opera Rara ist die Aufnahme aller Sololieder von Gaetano Donizetti. Eine Handvoll dieser Lieder sind seit langem bekannt und werden oft in Konzerten aufgeführt; viele weitere sind in Fachkatalogen aufgeführt, werden aber nur sehr selten oder gar nicht aufgeführt; andere wiederum galten als verloren oder völlig unbekannt. Jüngste Forschungen im Zusammenhang mit diesem Projekt, die vom Autor dieses Artikels in Zusammenarbeit mit Ian Schofield durchgeführt wurden, haben ergeben, dass Donizetti im Laufe  seiner 30-jährigen Karriere insgesamt etwa 200 Sololieder geschrieben hat. Die Erstellung moderner Ausgaben dieses umfangreichen Korpus war eine mühsame Aufgabe:

Die Quellen für die Lieder sind in europäischen Bibliotheken und darüber hinaus verstreut, die Autographen des Komponisten wurden zum Zeitpunkt der Komposition oft versehentlich weitergegeben (in der Regel als Geschenk des Komponisten) an den Widmungsträger). In ihrer Gesamtheit sind diese Kompositionen jedoch ein schlagkräftiges Argument für Donizetti als Schlüsselfigur des häuslichen Musizierens im 19. Jahrhundert: jemand, dessen Leistungen auf diesem Gebiet es verdienen, besser bekannt zu sein; ein Werk, das allein schon ein schlagkräftiges Argument für die Bedeutung der italienischen „Schule“ in einem Bereich, der lange Zeit von deutschen und französischen Komponisten dominiert wurde, ein starkes Argument darstellt. Das schiere Ausmaß des ursprünglichen Editionsprojekts war auf den ersten Blick eine extreme Herausforderung. Viele der bisher unbekannten Lieder sind in einer einzigen Manuskriptkopie erhalten, wenn auch oft in der oft hastigen Handschrift des Komponisten und manchmal unvollständig. Die populäreren Lieder – diejenigen, die im 19. Jahrhundert zumindest eine gewisse Verbreitung hatten – werden uns wahrscheinlich in einer Reihe verschiedener und oft widersprüchlicher Quellen überliefert Quellen überliefert: vielleicht (wenn wir Glück haben) in der autographen Partitur des Komponisten; vielleicht in Manuskriptkopien anderer; vielleicht in einer gedruckten Version (oft mit Änderungen und Ergänzungen, die die Zustimmung des Komponisten hatten oder auch nicht); vielleicht als Teil einer größeren veröffentlichten Sammlung; vielleicht übersetzt in eine andere Sprache.

Donizetti-Songs: Recording session (c) Russell Duncan

Buchstäblich Tausende von einzelnen Quellen, eine verwirrende Mischung aus gedrucktem und Manuskriptmaterial, mussten in einem ersten Schritt gesammelt und zusammengestellt werden. Zu unserem großen Glück wurde ein großer Teil dieses Materials kürzlich digitalisiert und ist online verfügbar; dadurch geht das Zusammenstellen viel schneller als noch vor 20 Jahren; in der Tat ist die Tatsache, dass dieses Projekt Jahre statt Jahrzehnte gedauert hat, hauptsächlich auf diese Digitalisierung zurückzuführen. Erleichtert wird die Arbeit auch dadurch, dass sich Donizettis Werke sich vor allem auf drei Sammlungen konzentrieren (die Bibliothèque nationale de France in Paris, die Bibliothek des Conservatorio San Pietro a Majella in Neapel und verschiedene Bestände im Besitz des Komponisten). Heimatstadt Bergamo). Die Art der Liedproduktion – in der Regel häuslich, gelegentlich, feierlich – bedeutet jedoch, dass Donizettis Autogramme oft verschwunden sind und dass anderes Material weit verstreut ist. Um nur ein Beispiel zu nennen: Ein enorm wichtiger Fundus an Manuskriptmaterial, der etwa 20 Lieder enthält, von denen man bisher annahm, dass sie sich in Privatbesitz befinden und nicht erhältlich sind, tauchte im Musikarchiv des Benediktinerklosters Stift Kremsmünster in einer kleinen österreichischen Stadt zwischen Salzburg und Linz. Es ist leicht zu erraten, warum sich verschiedene unschätzbare antike Relikte in einem 777 n. Chr. gegründeten Kloster befinden; aber die Frage, wie solche Donizetti-Raritäten in seine Mauern gelangten, bleibt ein Rätsel.

Francesco Coghetti: Gaetano Donizetti/Wikipedia

Die Lokalisierung all dieses Materials war natürlich eine notwendige erste Forschungsphase. Die Bearbeitung – das Durchsuchen der Quellen für jedes Lied, um die zuverlässigste Version zu finden, die Ermittlung literarischer Quellen, die Übersetzung der Liedtexte, das Verfassen eines kritischen Kommentars, der auf wichtige Varianten aufmerksam macht und schwierige Textentscheidungen diskutiert – war dann ein fortlaufender Prozess, der am Ende mehr als 1500 Seiten Noten und 500 Seiten beigefügten Kommentar hervorbrachte, die alle mehrere Korrekturphasen durchliefen.

Was in den ersten Monaten des Jahres 2020 als „Lockdown-Projekt“ begann, wurde für eine gewisse Zeit zu einer alles verzehrenden Beschäftigung, an der Bibliothekare von Stockholm bis zur Westküste Amerikas und darüber hinaus beteiligt waren, ganz zu schweigen von der Zusammenarbeit mit Donizetti-Freunden an vielen wahrscheinlichen und unwahrscheinlichen Orten.

Als die Arbeit fortgesetzt wurde und das volle Ausmaß des Korpus zutage trat, begannen eine Reihe von umfassenderen Fragen, die einer kritischen Betrachtung bedurften. Das erste, keineswegs einfache Problem war die Festlegung der Stimmtypen.  Gelegentlich gibt es Lieder im Tenor- oder Bassschlüssel, was bedeutet, dass offensichtlich Männerstimmen gemeint sind. Für den Rest der Lieder mussten jedoch Entscheidungen getroffen werden. In seiner frühen Karriere schrieb Donizetti die Melodielinien meist im sogenannten „Sopranschlüssel“, später verwendete er meist den Violinschlüssel; in beiden Fällen blieb unklar, ob ein bestimmtes Lied für eine Männer- oder Frauenstimme gedacht war. Bei unseren Aufnahmen gehen wir normalerweise davon aus, dass die „musikalische Stimme“ mit der „poetischen Stimme“ übereinstimmen sollte (d. h. mit der vom Dichter angenommenen Persona).

So wird beispielsweise das Klagelied eines Troubadours über seine verlorene Liebe von einer Männerstimme gesungen, während eine junge Frau, die an ihrem Fenster Fäden spinnt, von einer Frauenstimme gesungen wird. Wir müssen uns jedoch bewusst sein, dass solche solche Fragen in der heutigen Zeit wahrscheinlich von größerer Bedeutung sind als im 19. Jahrhundert. Zu Donizettis Zeiten war die „Geschlechterverwirrung“ (das Singen von Männerrollen durch Frauen und umgekehrt) ein häufiges Merkmal auf der Opernbühne, und es gibt Belege dafür, dass sich diese Einstellung auf den häuslichen Gesangsbereich ausbreiten konnte, wobei junge Frauen – die häufigsten Darstellerinnen im familiären Umfeld – häufig eine männliche poetische Rolle annahmen, wenn sie für die versammelte Gesellschaft sangen. Hinzu kommt die Tatsache, dass Stimmlagen wie Wir wissen, dass sie sich heute etwas von denen zu Donizettis Zeiten unterscheiden, wobei die Unterscheidung zwischen „Sopran“ und „Mezzo“ und – insbesondere – zwischen „Tenor“ und „Bariton“ häufig unsicher ist.

Donizetti-Songs: Lawrence Brownlee & Carlo Rizzi (c) Russell Duncan

Unter den gegebenen Umständen haben wir die Lieder in überaus Donizetti-typischer Manier entsprechend den Fähigkeiten unserer einzelnen Sänger aufgeteilt, anstatt irgendwelche abstrakten Prinzipien von Stimmlage und Geschlecht anzuwenden.

Eine weitere Schwierigkeit betrifft die grundlegendere Frage, was ein „Lied“ ausmacht. Für die vorliegende Ausgabe haben wir uns entschieden, Sololieder von Duetten und größeren Ensembles zu trennen. Diese Entscheidung wurde in erster Linie aus praktischen Gründen getroffen (die Aufführungsmöglichkeiten für Sololieder sind heute so viel größer als die für Duette, Trios usw.), und dies trotz der Tatsache, dass eine solche Trennung uns von einigen der wichtigsten veröffentlichten Sammlungen von Donizetti-Liedern aus den 1830er Jahren entfernt, in denen Soli und Duette bewusst in unmittelbarer Nähe zueinander stehen. Es stellen sich jedoch auch größere Fragen: Wie kann in manchen Fällen ein „religiöses Werk“ auch Anspruch auf den Titel „Lied“ erheben (ein Ave Maria, das zur Klavierbegleitung gesungen wird, wäre ein Beispiel dafür)? Oder wie kann eine „Solokantate“ nach einem Manuskript in einem anderen ein ‚Lied‘ sein könnte; oder – vielleicht die größte Schwierigkeit – worin der Unterschied zwischen einem ‚Lied‘ und einer Opernarie besteht, die uns begleitet von einem Klavier überliefert wurde. Auf diese Fragen gibt es keine eindeutigen Antworten; es wird immer unscharfe Grenzen der einen oder anderen Art geben. In der vorliegenden Ausgabe haben wir uns weitgehend an die Taxonomie früherer Donizetti-Lieder-Katalogisierern gefolgt, aber wir haben – im Gegensatz zu ihnen – immer versucht, Opernnummern auszuschließen, die ohne die aktive Mitarbeit des Komponisten in nicht-opernhafte Texte eingebaut wurden.

Es gibt auch das Problem der Übersetzung. Lieder können in einer Sprache begonnen haben (entweder Italienisch oder, in Donizettis späteren Jahren zunehmend, Französisch) und dann in eine andere gewandert sein, wo sie vielleicht „Repertoire“-Status erlangte. Manchmal ist es aufgrund der Quellenlage unmöglich zu wissen, in welcher Sprache ein Lied ursprünglich konzipiert wurde. In einem Fall beginnt die Geschichte eines bestimmten Liedes (soweit wir wissen)mit einer gedruckten Quelle in italienischer Sprache (der natürlich eine heute verlorene autographe Partitur vorausgegangen sein muss); dann – zu einem späteren Zeitpunkt – verwendete Donizetti die Musik erneut, um einen französischen Text zu vertonen, wobei er diesmal eine Autograph, das erhalten geblieben ist; und noch später wurde dasselbe Lied in gedruckter Form weit verbreitet, allerdings in einer neuen italienischen Übersetzung des französischen Textes.

Donizetti-Songs: Daniel de Fry & Carlo Rizzi (c)Russell Duncan

Weitere Probleme betreffen die Urheberschaft des literarischen Textes (häufig nicht identifiziert) und die Identität der Widmungsträger (oft sowohl in Autographen als auch in gedruckten Partituren erwähnt), die beide stundenlange Recherchen erfordern können, aber – dank unserer internetgestützten Welt – oft überraschende Zusammenhänge und chronologische Besonderheiten aufdecken, die alle früheren Kommentatoren zwangsläufig außer Acht lassen mussten. Darüber hinaus können, wenn Donizetti vertonte jeden Text, sei es ein Libretto oder ein lyrisches Gedicht, und änderte die Worte routinemäßig, manchmal radikal: Ein Lied hat eine poetische Quelle, die tragisch endet, während seine Donizetti-Vertonung in Hoffnung und Wiedergeburt endet: Wir könnten an Opern erinnert werden, in denen manchmal im letzten Moment oder bei späteren Wiederaufnahmen, ein tragisches Ende in ein „Happy End“ verwandelt wird (oder umgekehrt). In all diesen Fällen folgen wir natürlich der Textversion des Komponisten, obwohl in extremen Fällen in den begleitenden kritischen Anmerkungen die alternative Richtung des Originalgedichts erwähnt wird.

Ein letztes Problem betrifft mehrere Versionen desselben Liedes. Es entspricht ganz dem Geist dieses Repertoires, dass Donizetti, wenn er später in seiner Karriere zu einem Lied zurückkehrte, fast immer eine Überarbeitung der Musik vorlegte, wobei er manchmal das, was er zuvor komponiert hatte, komplett neu schrieb. In vielen Fällen kann man sich vorstellen, dass es einen einfachen, praktischen Grund für diese kreative Verschwendung gab: Wenn er beschloss, ein Lied wiederzubeleben, vielleicht für einen Verleger, vielleicht für einen anderen häuslichen Anlass, war sein „Original“ nicht mehr zur , sodass er gezwungen war, die Worte und die Musik aus dem Gedächtnis neu zu erschaffen. Aber es gibt auch die Tatsache, dass ein solcher Erfindungsreichtum im Mittelpunkt seines Kompositionsprozesses stand: Selbst bei seinen berühmtesten Opern hat man selten das Gefühl, dass er ein bestimmtes Werk als „fertig“ betrachtete; wenn er zu einer Oper oder einem Lied zurückkehrte, brachte die Erfahrung fast immer neue Ideen, inspiriert von neuen Darstellern. In den meisten Fällen haben die vorliegenden Aufnahmen wurde aus Platz- und Zeitgründen eine Version gegenüber anderen bevorzugt; bei einigen Liedern waren die Alternativen jedoch so unterschiedlich, dass beide Versionen aufgenommen wurden.

Donizettis Grabmal in Bergamo/Wikipedia

Wie aus dieser ersten Aufnahme mit Liedern aus allen Lebensabschnitten des Komponisten hervorgeht, ist Donizettis kreatives Spektrum in diesem Repertoire bemerkenswert. In seiner frühen Karriere (bis ca. 1823) gibt es einige sehr einfache Erfindungen, oft „Canzonette“ genannt, die auf das 18. Jahrhundert zurückzugehen scheinen; und die stärker von der

Oper beeinflussten Nummern aus dieser Zeit ähneln in ihrer Verwendung von Vokalverzierungen unweigerlich Rossini.

In den späteren 1820er Jahren tauchen jedoch Lieder auf, die, obwohl ihre Poesie oft auf ein früheres Zeitalter zurückgeht, in ihrer Gestaltung und Ausführung offen experimentell sind, vielleicht auf konventionelle Weise beginnen, sich dann aber in unvorhersehbare melodische und harmonische Richtungen bewegen, oft als Reaktion auf Details im verbalen Text. In den 1830er Jahren, der Zeit von Donizettis größten italienischsprachigen Opern, lag sein Schwerpunkt auf Liedern für die Veröffentlichung, aufwendigeren Stücken, die für professionelle oder nahezu professionelle Darsteller und mit besonderem Schwerpunkt auf exotischen Stimmungen: der Troubadour, die Jungfrau im Turm, der liebeskranke Ruderer, der religiöse Einsiedler, der Kreuzritter, der leidenschaftliche romantische Außenseiter.

Und dann, in einer erstaunlichen späten Blütezeit, sah man in den 1840er Jahren Donizetti, der nun in Paris und Wien lebte, sich als „internationaler“ Komponist neu zu erfinden, indem er französische Gedichte in einem modernen Stil vertonte und sich in einer völlig anderen lyrischen Tradition fließend ausdrückte. Bei all diesen Stilen und Manieren bleibt ein Aspekt konstant: Wenn wir Donizetti und seine musikalische Sprache durch seine Opernwerke kennen, werden uns die Lieder weiterhin überraschen. Obwohl sie uns gelegentlich an die Manieren der Oper erinnern, beschreiten diese Kompositionen meistens einen anderen Weg: einen, bei dem die musikalische Reise in der Regel viel kürzer ist, bei dem eine Gefühlswelt in Momenten eingefangen werden muss und bei dem die raffinierte musikalische Sensibilität des Komponisten, seine Fähigkeit, poetische Stimmungen und Affekte einzufangen, auf jeder Seite offensichtlich ist.

Donizettis „Esule di Roma“, London 2023/Nicola Alaima und Albina Shagimuratova/Foto Russel Duncan/Opera Rara

Wie bereits zu Beginn dieses Essays erwähnt, sind die Lieder, die Donizetti während seiner Komponistenkarriere komponierte zu Unrecht vernachlässigt wurden. Diese Aufnahmen zielen in der Tradition von Opera Rara darauf ab, ihre Wiederbelebung bestmöglich zu fördern. Das Projekt hat aber auch ein größeres Ziel: Es soll ein neues Licht auf die gesamte italienische Tradition des häuslichen Musizierens im 19. Jahrhundert geworfen werden, eine Tradition, die sich über die gesamte Halbinsel ausbreitete und einen enorm reichen Musikkörper hervorbrachte, der es verdient, einen Platz im internationalen Liedrepertoire einzunehmen. © 2024 Roger Parker/DeepL

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ROGER PARKER (operalounge.de-Lesern absolut kein Unbekannter wegen seiner klugen Artikel zu einzelnen Belcanto-Opern bei uns)  ist der Repertoireberater von Opera Rara. Er ist zudem emeritierter Professor für Musik am King’s College London und unterrichtete zuvor in Cornell, Oxford und Cambridge. Er ist (zusammen mit Gabriele Dotto) Generaleditor der kritischen Donizetti-Ausgabe,  die bei Ricordi veröffentlicht wird. Seine neuesten Bücher sind Remaking the Song: Operatic Visions and Revisions from Handel to Berio (University of California Press, 2006) und A History of Opera: The Last 400 Years (Penguin, UK/Norton, US, 2012), das er gemeinsam mit Carolyn Abbate verfasst hat. Derzeit arbeitet er an einem Buch über Musik im London der 1830er Jahre. Von 2013 bis 2018 war er als Direktor des vom ERC finanzierten Projekts „Music in London, 1800–1851“ am King’s College tätig. (Quelle Opera Rara/DeepL)

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Dank an Opera Rara und vor allem Roger Parker für seinen Text zur Ausgabe, den wir mit großem Dank in unserer Übersetzung/DeepL übernahmen. G. H.

Agnes Baltsa

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Ein einzigartiger Moment für die moderne griechische Kultur! Am 14. 11.  2025 wurde der griechischen Mezzosopranistin  Agnes Baltsa bei den International Opera Awards 2025 mit dem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet. Bei der majestätischen Verleihung der International Opera Awards erhielt der Gefeierten  ihre Auszeichnung von Giorgos Koumendakis, dem künstlerischen Leiter der Griechischen Nationaloper, unter tosendem Applaus im vollbesetzten Stavros Niarchos Saal. Die Verleihung der International Opera Awards fand dank einer Förderung durch die Stavros Niarchos Foundation (ISN) zur Stärkung der künstlerischen Reichweite der GNO zum ersten Mal in Griechenland statt und wurde von der Griechischen Nationaloper ausgerichtet. „Liebe Frau Baltsa, diese Auszeichnung ist nur ein bescheidener Ausdruck unserer Liebe und Wertschätzung für Ihr immenses Talent und Ihre beispiellos großartige internationale Karriere“, erklärte Koumendakis/youtube

Doris Soffel

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Die Berliner Kultursenatorin Sarah Wedl-Wilson überreichte der Opernsängerin und Kammersängerin Doris Soffel heute den Verdienstorden der Bundesrepublik Deutschland – als Anerkennung für ihr außergewöhnliches Lebenswerk und ihren herausragenden Beitrag zur deutschen und internationalen Opernkunst .

Sarah Wedl-Wilson: „Über viele Jahrzehnte hat Doris Soffel nicht nur ein Weltpublikum berührt, sondern als Botschafterin der Musik Generationen junger Künstler:innen inspiriert und ermutigt.“

Geboren 1948 in Hechingen, begann Doris Soffel ihre Karriere 1973 an der Staatsoper Stuttgart und feierte 1982 ihren internationalen Durchbruch am Royal Opera House Covent Garden in London. Schnell entwickelte sie sich zu einer der führenden Mezzosopranistinnen ihrer Generation. Nach frühen Erfolgen im Belcanto-Repertoire prägte sie später die großen dramatischen Rollen von Richard Wagner und Richard Strauss, darunter Fricka, Kundry und Klytämnestra. 2007 wurde sie von der Oper Köln als erste Sängerin des Hauses zur Kammersängerin ernannt. Doch auch Uraufführungen zeitgenössischer Komponisten wie Aribert Reimann und Krzysztof Penderecki gehören zu ihrem vielfältigen Repertoire.

Unter den Gästen auch Vertreter:innen aus Kultur, Politik und Musikleben, wie u. a. ihre Exzellenz Botschafterin Veronika Wand-Danielsson (Botschafterin von Schweden) Botschafter a. D. Dr. h.c. Karl-Erik Norrman (Schwedische Botschaft und Generalsekretär des Europäischen Kulturparlaments), Dietmar Schwarz (Intendant bis zur Spielzeit 2024/25), Andreas Massow (designierter Operndirektor ab 2026/27) und Uwe Steinkamp (Geschäftsführer Bühnenverein). (Deutsche Oper Berlin/Foto Soffel))

Eine Turquerie im Hoftheater

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Gelegentlich veröffentlicht das Label Château de VERSAILLES neben seinem reichen CD-Ausstoß auch Produktionen auf DVD. Jüngstes Beispiel ist die Aufführung von André Grétrys La Caravane du Caire aus dem Hoftheater von Versailles vom Juni 2023 – und fügt den reichlich vorhandnenen früheren Aufnahmen eine weitere hinzu. Das Opéra-ballet wurde 1783 auf Schloss Fontainebleau uraufgeführt und fand ein Jahr später auch den Beifall des Pariser Publikums. Die Turquerie folgt wie Mozarts Entführung ganz dem Zeitgeschmack, der orientalische Stoffe favorisierte. Die Handlung kreist um ein von Sklavenhändlern verschlepptes Liebespaar und dessen glückliche Rettung. Marshall Pynkowski inszeniert stilvoll im prachtvollen Dekor von Antoine Fontaine mit den luxuriösen Kostümen von Camille Assaf. Gemäß der barocken Tradition wird das Geschehen vielfach von Ballettszenen unterbrochen. welche Jeannette Lajeunesse Zingg im klassischen Stil choreografiert hat. Sie bezieht auch die Gesangssolisten in den Tanz ein, was besonders der Tenor Enguerrand de Hys als Eunuch Tamorin glänzend meistert. Auch gesanglich überzeugt er mit charaktervoller Stimme und glanzvollen Spitzentönen.

Das zentrale Paar geben Hélène Guilmette als Zélime und Pierre Derhet als Saint-Phar, die am Ende glücklich vereint sind. Gleich zu Beginn vereinen sie ihre Stimmen im Duo „Malgré la fortune cruelle“ – sie mit energischem Sopran und er mit jugendlich schmachtendem Tenor. Beeindruckend trumpft dieser am Ende des 2. Aktes in „Vas, vas, cruel“ auf. Der französische Bariton Jean-Gabriel Saint-Martin gefällt mit markig-auftrumpfender Stimme in der Doppelrolle des Sklavenhändlers Husca und französischen Kapitäns Florestan. Letzterer hat im 3. Akt eine heroische Ariette, „Ah! si pour la patrie“, in welcher der Sänger sein reiches Potential ausstellen kann. Der kanadische Bassbariton Robert Gleadow imponiert mit Nachdruck als Osman Pacha. Die französische Sopranistin Marie Perbost ist die Sultanin Almaide mit melancholischem Klang. In der Ariette „Je souffirais qu´une rivale“ im 3. Akt verkündigt sie aber auch entschlossen, ihren Rang zu verteidigen. Die drei Sklavinnen überzeugen in ihrem Auftritt eher durch Koketterie als stimmlichen Wohllaut: Lili Aymonino als Francaise, Chantal Santon Jeffery als Italienne und Lucie Edel als Allemande.

Die Musik vereint Elemente des französischen Barock mit dem kantablen Stil der italienischen Oper. Mit dem Ensemble Le Concert Spirituel wird Hervé Niquet diesem Anspruch souverän gerecht, sorgt für ein lebendiges Klangbild mit vielen orchestralen Finessen. Die aufwändige Ausgabe mit DVD und Blu-ray sowie einem umfangreichen Booklet, welches den Text in drei Sprachen präsentiert, ist ein Tipp für den Gabentisch (CVS114). Bernd Hoppe